Романтический период классической музыки - романтизм

Романтизм.

Музыка в период 1810 - 1910 гг.

Вслед за классическим периодом в развитии классической музыки наступил романтический период. Музыка в романтический период отличается энергией, интенсивностью и страстью. Строгие формы классической музыки обрели экспрессию и выражение. Музыка стала ближе к искусству, литературе и театру.

Людвиг ван Бетховен свои ранние работы творил в традициях классицизма и его лучших представителей - Моцарта и Гайдна, но вскоре стал более смелым и выразительным. Отклонив строгие формулы для симфоний и сонат, он ввел целое новое направление музыки, давая в своих работах ссылки на иные аспекты жизни, например, его Пасторальная Симфония описывает сцены из сельской местности.

Многие композиторы, пишущие симфонии, отозвались на нововведение Бетховена двумя способами - некоторые сохранили формат классической симфонии как структуру для своих собственных идей (Шуберт, Брамс, Дворжак, Чайковский), другие начали создавать симфонии, которые следовали одной основной сюжетной линии или "программе" ("Фантастическая симфония" Берлиоза или "Симфония Фауста" Листа).

Так же, как и симфонии, симфоническая поэма и описательная увертюра были популярны как самостоятельные части оркестровой музыки, которые описывали произведения живописи или поэзии и пробуждали патриотические чувства ("Les preludes" Листа, "Финляндия" Сибелиуса, увертюра-фантазия "Ромео и Джульетта" Чайковского и "Ночь на лысой горе" Мусорского).

Романтический период был периодом рождения солистов-виртуозов как явления, исполнители становились звездами своих дней. Список виртуозов воглавляют пианисты Лист и Шопен и скрипач Паганини. Все они были музыкальными бриллиантами эпохи романтизма.

В Германии значительной частью репертуара музыкантов стал романс - идеальная форма для романтизма как единство музыки и поэзии. Шуберт и Брамс создавали очень много романсов. Исполнялись в основном в сопровождении фортепиано.

В середине романтической эпохи взошла звезда Джузеппе Верди, который признан одним из величайших композиторов всех времен. Он перевернул всю итальянскую оперу, представив миру новые сюжеты произведений, часто с социальными, политическими или патриотическими темами, и это в сочетании с прямым и ясным подходом к созданию музыки очень сильно воздействовало на слушателей.

В Германии реформатором оперы стал Рихард Вагнер, он полностью изменил немецкую оперу. До Вагнера действие и музыка в опере были разбиты на отдельные части или короткие номера, так же, как и в современных музыкальных шоу. Аудитория могла аплодировать между номерами, а исполнители раскланиваться на аплодисменты.

Рихард Вагнер

Дата рождения: 22 мая 1813
Место рождения: Лейпциг
Страна: Германия
Дата смерти: 13 февраля 1883

Вильгельм Рихард Вагнер (нем. Wilhelm Richard Wagner) — немецкий оперный композитор, дирижёр, драматург, философ. Оказал значительное влияние на европейскую культуру рубежа IXX-XX веков, особенно модернизм.

Вагнер родился в семье чиновника Карла Фридриха Вагнера. В 1828 г. начал обучаться музыке у кантора церкви Святого Фомы Т. Вайнлига, в 1831 г. начал музыкальную учёбу в университете Лейпцига. Вначале Вагнер следовал сложившимся традициям музыкального спектакля, стремился освоить наследие своих предшественников. Если в "Феях" образцом для подражания стала немецкая романтическая опера, то в опере "Запрет любви" (1836 г.) он более ориентировался на традиции французской комической оперы. Однако эти ранние работы не принесли ему признания - Вагнер вел в те годы тяжелую жизнь театрального музыканта, скитавшегося по разным городам Европы. В 1833—1841 гг. работал в Вюрцбурге театральным хормейстером, в Магдебурге, затем в Кёнигсберге и Риге - дирижёром музыкальных театров, потом в Норвегии, Лондоне и Париже, где он написал увертюру «Фауст» и оперу «Летучий голландец».

Перемена к лучшему наступила в 1842 г., когда Вагнер был приглашен на должность капельмейстера в прославленный оперный театр столицы Саксонии - Дрездена. Его опера "Риенци, последний из трибунов" завоевала прочное признание. Моделью произведения послужила французская большая опера, виднейшими представителями которой были признанные мастера Г. Спонтини и Дж. Мейербер. Годом позже он стал королевским саксонским Хофкапельмейстером (руководителем оркестра). В 1845 г. композитор пишет оперу "Тангейзер", в 1848 г. - "Лоэнгрине", возможно, самую популярную из своих опер.

В этих операх композитор еще тесно связан с традициями романтизма - его героев раздирают противоречивые побуждения, когда непорочность и чистота противостоят греховности земных страстей, безграничное доверие - коварству и измене. С романтизмом связаны и неспешность повествования, когда важны не столько сами события, сколько те чувства, которые они пробуждают в душе лирического героя.

В 1849 г. Вагнер участвовал в Дрезденском майском восстании, после поражения бежал в Цюрих, где он написал либретто тетралогии «Кольцо нибелунга», музыку её первых двух частей («Золото Рейна» и «Валькирия») и оперу «Тристан и Изольда».

Философскую концепцию Вагнера можно определить как музыкальный мистицизм. С годами внимание к мистической стороне искусства постоянно возрастало, однако интерес к общественной тематике никогда не оставлял Вагнера. Своеобразная Kunstlerutopie («утопия искусства») была описана композитором в статье «Искусство и революция», вышедшей в 1849 г. Революция, по Вагнеру, будет освящена искусством. Находясь в традиции классического немецкого идеализма, Вагнер полагал, что за эстетикой естественным образом следует этика.

Вагнер заново продумал и осмыслил свои художественные позиции, сформулировал основные задачи, которые, по его мнению, стояли перед искусством, в ряде теоретических работ (среди них особенно важен трактат "Опера и драма" - 1851 г.). Свои идеи он воплотил в монументальной тетралогии "Кольцо нибелунга" - ключевой для понимания онтологической концепции Вагнера. В «Кольце нибелунга» воплотилась мечта Вагнера о музыкальном универсализме, отразилось увлечение идеями Шопенгауэра. Подобно Шопенгауэру, Вагнер ощущает неблагополучие и даже бессмысленность основы мироздания. Единственный смысл существования мыслится в том, чтобы отречься от этой всемирной воли и, погрузившись в пучину чистого интеллекта и бездействия, найти подлинное эстетическое наслаждение в музыке. Тема мировой катастрофы очень важна для онтологии «Кольца» и, по всей видимости, является новым переосмыслением революции, которая уже не как изменение общественного строя, а космологическое действо, изменяющее самую суть мироздания.

Основу грандиозного творения составили сказания и легенды, восходящие к языческой древности - германская "Песнь о нибелунгах", скандинавские саги, входящие в Старшую и Младшую Эдду. Но языческая мифология с ее богами и героями стала для композитора средством познания и художественного анализа проблем и противоречий современной ему действительности.

Грандиозный замысел Вагнера потребовал совершенно новых, ранее неизвестных средств воплощения. Композитор почти полностью отказался от привычной структуры - от законченных арий, хоров, ансамблей. Взамен них зазвучали протяженные монологи и диалоги действующих лиц, развернутые в бесконечную мелодию. Широкая распевность слилась в них с декламационностью в вокальных партиях нового типа, в которых непостижимо объединились певучая кантилена и броская речевая характерность. Главное свойство вагнеровской оперной реформы связано с особой ролью оркестра. Он не ограничивается лишь поддержкой вокальной мелодии, но ведет свою собственную линию, порой даже выступая на передний план. Более того, оркестр становится носителем смысла действия - именно в нем чаще всего звучат основные музыкальные темы - лейтмотивы, которые становятся символами персонажей, ситуаций, и даже отвлеченных идей. Лейтмотивы плавно переходят друг в друга, сочетаются в одновременном звучании, постоянно видоизменяются, но каждый раз они узнаются слушателем.

Вагнер приступил к осуществлению своего великого замысла еще в годы швейцарской эмиграции. Но полная невозможность увидеть на сцене плоды своей работы заставили его прервать сочинение тетралогии на долгие годы. И только в 1864 г. неожиданный поворот судьбы - поддержка молодого баварского короля Людвига II - помогла ему завершить свое монументальное творение. Для постановки тетралогии был построен специальный театр в баварском городе Байрейте, где и была впервые исполнена в 1876 г. вся тетралогия именно так, как задумал ее Вагнер.

Помимо "Кольца нибелунга" Вагнер создал во второй половине XIX в. еще три произведения. Это опера "Тристан и Изольда" (1859 г.), на заложенные в ней идеи значительно повлияли недолгое увлечение буддизмом и одновременно драматическая история любви к Матильде Везендонк. Здесь происходит так долго искавшееся Вагнером слияние разделенной человеческой природы. Соединение это происходит с уходом Тристана и Изольды в небытие. Важнейшей является тема любви и смерти, которые для Вагнера неразрывно связаны. Любовь неотъемлемо свойственна человеку, полностью подчиняя его себе, так же, как и смерть является неизбежным концом его жизни. В 1867 г. Вагнер пишет оперу "Нюрнбергские мейстерзингеры". И наконец, последнее творение композитора - опера-мистерия "Парсифаль" (1882 г.) - попытка музыкально и сценически представить утопию всеобщего братства, где повержена столь с виду несокрушимая власть зла и воцарилась мудрость, справедливость и чистота.

В том же году Вагнер уехал по состоянию здоровья в Венецию, где он умер в 1883 г. от сердечного приступа.

Вильгельм Рихард Вагнер, был великим философом своего времни. Немузыкальное наследие Рихарда Вагнера составляют шестнадцать томов литературных и публицистических сочинений, семнадцать томов писем.

Жорж Бизе

Дата рождения: 25 октября 1838
Место рождения: Париж
Страна: Франция
Дата смерти: 3 июня 1875

Александр Сезар Леопольд Бизе (фр. Alexandre-Cesar-Leopold Bizet, при крещении получил имя Жорж, фр. Georges) — французский композитор XIX века.

Бизе родился 25 октября 1838 г. в Париже. Начальное музыкальное образование получил в семье. Его дядя Франсуа Дельсарта был учителем пения, известным во всей Европе. Бизе был музыкально одаренным ребенком, в возрасте девяти лет он поступил в Парижскую консерваторию, его преподавателями были П.-Ж.-Г. Циммерман и Гуно (контрапункт), Галеви (композиция), Мармонтеля (фортепиано.). В консерваторские годы была написана четырехчастная Симфония C-dur (1855 г.). В 1857 г. Бизе разделил с Шарлем Лекоком премию, учрежденную Жаком Оффенбахом за создание одноактной оперетты "Доктор Миракль" и получил Римскую премию (за кантату "Кловис и Клотильда"), что позволило ему прожить в Риме в течение трёх лет, сочиняя музыку и занимаясь своим образованием. Из произведений, написанных или начатых за эти три года, сохранились лишь четыре, в том числе опера-буффа "Дон Прокопио", которая стала отчётным произведением, обязательным для всех лауреатов Римской премии.

После возвращения Бизе в Париж в 1863 г. дирекция главного оперного театра Парижа, Театр-лирик (Theatre Lyrique), заказала ему написание оперы "Искатели жемчуга". Его следующая опера, "Пертская красавица" (по роману Вальтера Скотта), которая в музыкальном отношении заметно превосходит предыдущую, была поставлена в декабре 1867 г.

В июне 1869 г. Бизе женился на дочери своего учителя, Женевьеве Галеви. Начавшаяся в 1870 г. франко-прусская война нарушила привычный ход жизни. Бизе записался в Национальную гвардию и долго время не сочинял, лишь в 1871 г. появилась очаровательная сюита для двух фортепиано "Детские игры" (ее неполная оркестровая версия известна как "Маленькая сюита"). После нее Бизе написал одноактную оперу "Джамиле" (по поэме Альфреда де Мюссе "Намуна") и музыку к драме Альфонса Доде "Арлезианка".

Следующим шагом стал оперный шедевр "Кармен", созданный по одноименной новелле Проспера Мериме. Здесь Бизе достигает новых высот в музыкальной обрисовке общей атмосферы действия и отдельных персонажей. Премьера состоялась в Опера-комик в 1875 г., опера была встречена публикой и критикой холодно. Это тяжело подействовало на Бизе и роковым образом отразился на его здоровье: за обострением тонзиллита последовали два сердечных приступа, второй из которых оказался смертельным. Умер Жорж Бизе 3 июня 1875 г. от сердечного приступа. Истинный масштаб "Кармен" был оценен только после смерти Бизе.

 

 

Тема 11.

Музыка эпохи романтизма Россия, Италия.

Петр Ильич Чайковский

Дата рождения: 7 мая 1840
Место рождения: Воткинск (близ Вятки)
Страна: Россия
Дата смерти: 6 ноября 1893

Пётр Ильич Чайковский — русский композитор, один из лучших мелодистов, дирижёр, педагог, музыкальный критик. Автор 76 опусов, 10 опер, 3 балетов. Его концерты и другие опусы для фортепиано, семь симфоний (шесть пронумерованных и симфония «Манфред»), четыре сюиты, программная симфоническая музыка, балеты «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик» представляют ценный вклад в мировую музыкальную культуру.

Чайковский родился в селении при Камско-Воткинском заводе Вятской губернии (ныне город Воткинск, Удмуртия). Его отец был начальником Камско-Воткинского сталелитейного завода. Пётр был вторым ребёнком в семье. Родители Чайковского любили музыку. Его мать играла на фортепиано и пела. В 1849 г. семья переехала в город Алапаевск, а в 1850 г. — в Санкт-Петербург. В 1850 г. родители отправляют Чайковского в Императорское училище правоведения. В 1852 г., поступив в училище, он начал серьёзно заниматься музыкой, которую преподавали факультативно. Чайковский был известен как неплохой пианист и хорошо импровизировал. Окончив училище в 1859 г., Чайковский получил чин титулярного советника и начал работать в Министерстве юстиции. В свободное от службы время он посещает оперный театр, где на него сильное впечатление оказывают постановки опер Моцарта и Глинки. В 1861 г. он поступает в Музыкальные классы Русского музыкального общества, а после преобразования их в 1862 г. в Петербургскую консерваторию становится одним из первых её студентов по классу композиции. Учителями Чайковского в консерватории были Николай Иванович Заремба (теория музыки) и Антон Григорьевич Рубинштейн (оркестровка). По настоянию последнего он бросает службу и целиком посвящает себя музыке.

В 1865 г. Чайковский окончил курс консерватории с большой серебряной медалью, написав кантату на оду Шиллера «К радости». Другие его консерваторские работы — увертюра к пьесе Островского «Гроза» и танцы сенных девушек, включенные впоследствии в оперу «Воевода». Сразу после окончания консерватории по приглашению Николая Рубинштейна Чайковский переезжает в Москву, где получает место профессора классов свободного сочинения, гармонии, теории и инструментовки в только что основанной консерватории.

В 1868 г. Чайковский впервые выступает в печати как музыкальный критик и знакомится с группой петербургских композиторов - членов «Могучей кучки». У Чайковского проявляется интерес к программной музыке, и по совету главы «Могучей кучки» Милия Балакирева он пишет увертюру-фантазию «Ромео и Джульетта» по трагедии Шекспира (1869 г.), а критик В. В. Стасов подсказал ему замысел симфонической фантазии «Буря» (1873 г.).

1870-е годы в творчестве Чайковского ? период напряжённых исканий. Композитора привлекают историческое прошлое России, тема человеческой судьбы. В это время он пишет такие сочинения, как оперы «Опричник» и «Кузнец Вакула», музыка к драме Островского «Снегурочка», балет «Лебединое озеро», Вторая и Третья симфонии, фантазия «Франческа да Римини», Первый фортепианный концерт, Вариации на тему рококо для виолончели с оркестром, три струнных квартета и другие. В 1872-1876 гг. Чайковский работает как музыкальный критик в газете «Русские ведомости».

20 февраля 1877 г. постановка в Большом театре балета «Лебединое озеро» (либретто В. Бегичева и В. Гельцера).

17 марта 1879 г. первое представление оперы «Евгений Онегин» в московской консерватории.

В 1879 г. написана опера «Орлеанская дева» (либретто самого композитора).

В конце 70-х гг. Чайковский пережил тяжёлый душевный кризис, вызванный перенапряжением творческих сил, а также обстоятельствами личной жизни. В течение нескольких лет жил преимущественно за границей (главным образом в Швейцарии и Италии, а также в Каменке у своей сестры). В эти годы немаловажными для Чайковского были материальная поддержка и переписка с Н. Ф. фон Мекк.

В середине 80-х гг. Чайковский возвратился к активной музыкально-общественной деятельности. В 1885 г. избран директором Московского отделения РМО. С 1885 г. постоянно жил в Подмосковье — в окрестностях г. Клин (Майданово, Фроловское), с 1892 г. — в самом Клину, где после смерти композитора открыт мемориальный дом-музей. С конца 1880-х гг. много выступал как дирижёр в России и за рубежом. Концертные поездки укрепили творческие и дружеские связи Чайковского с западноевропейскими музыкантами (Ханс фон Бюлов, Эдвард Григ, Антонин Дворжак, Густав Малер, Артур Никиш, Камиль Сен-Санс).

3 февраля 1884 г. в Большой театре (Москва) премьера оперы «Мазепа» (либретто В. П. Буренина по поэме Пушкина «Полтава»).

19 января 1887 г. в Москве в Большом театре поставлена опера «Черевички», переработка оперы «Кузнец Вакула» (либретто Я. П. Полонского по повести «Ночь перед Рождеством» Н. В. Гоголя).

3 января 1890 г. премьера в Мариинском театре балета «Спящая красавица» (либретто И. А. Всеволожского).

7 декабря 1890 г. в Мариинском театре поставлена опера «Пиковая дама» (либретто брата композитора Модеста с участием композитора, по повести Пушкина, с использованием стихов К. Н. Батюшкова, Г. Р. Державина, В. А. Жуковского, П. М. Карабанова и К. Ф. Рылеева),

В 1891 г. написана опера «Иоланта» (либретто М. И. Чайковского по драме X. Герца «Дочь короля Рене»). 6 декабря 1892 г. премьера в Мариинском театре в Петербурге оперы «Иоланта» вместе с балетом «Щелкунчик» (либретто М. И. Петипа по сказке Э. Т. Гофмана).

Весной 1891 г. П. И. Чайковский совершает поездку в США. В качестве дирижёра своих произведений с сенсационным успехом он выступил в Нью-Йорке, Балтиморе и Филадельфии.

16 октября 1893 г. — последнее выступление — он дирижировал в первый раз своей Шестой симфонией. В результате заболевания холерой композитор скончался 25 октября (6 ноября) 1893 г. в Санкт-Петербурге и похоронен в Александро-Невской лавре в Некрополе мастеров искусств.

В творчестве Чайковского, в котором ведущими были опера и симфония, представлены почти все музыкальные жанры. Содержание музыки Чайковского универсально: охватывает образы жизни и смерти, любви, природы, детства, в ней по-новому раскрываются произведения русской и мировой литературы — А. С. Пушкина и Н. В. Гоголя, Шекспира и Данте. В музыке Чайковского нашли отражение глубокие процессы духовной жизни.

Джузеппе Верди

Дата рождения: 10 октября 1813
Место рождения: Буссето
Страна: Италия
Дата смерти: 27 января 1901

Джузеппе Фортунино Франческо Верди (итал. Giuseppe Fortunino Francesco Verdi) — итальянский композитор, центральная фигура итальянской оперной школы.

Верди родился в 1813 г. в Ле Ронколе, неподалёку от Буссето (Пармское Герцогство). Отец композитора Карло Верди содержал деревенский трактир, мать Луиджа Уттини была пряхой. Детство Джузеппе было тяжелым. Семья жила бедно. В деревенской церкви он помогал служить мессу. Музыкальной грамоте и игре на органе учился у П.Байстрокки. Заметив тягу сына к музыке, родители подарили Джузеппе спинет. На музыкально одаренного мальчика обратил внимание Антонио Барецци — богатый торговец из соседнего города Буссето. По совету Барецци десятилетний Верди переехал для учебы в Бусетто. По воскресным дням Джузеппе играл на органе во время мессы в Ле Ронколе. У Верди появился учитель композиции — Фернандо Провези, директор «Филармонического Общества» Буссето, который помимо музыкальных занятий пробудил в Верди тягу к серьёзному чтению. Внимание Джузеппе привлекают классики мировой литературы — Шекспир, Данте, Гете, Шиллер.

В 1832 г. Верди отправился в Милан, чтобы продолжить образование. Но в Миланскую консерваторию его неприняли, поскольку он был старше допустимого возраста. Он начал заниматься частным образом с В.Лавиньей, который преподал ему основы композиторской техники. Оркестровку и оперное письмо Верди постигал на практике, посещая миланские оперные театры. Филармоническое общество заказало ему оперу "Оберто, граф ди Сан-Бонифачо" ("Oberto, conte di san Bonifacio"), которая, однако, не была тогда поставлена.

Вернувшись в Буссето, Верди женится на Маргарите Барецци. Двое их детей умирают в младенчестве.

Первая постановка оперы Верди («Оберто, граф ди Сан-Бонифачо» в миланской Ла Скала прошла успешно, после чего импрессарио театра предложил Верди контракт на написание двух опер. Ими стали «Король на час» ("Un giorno di regno") и «Набукко» (" Nabucco"). Жена Верди умерла, когда он работал этими операми. Первая опера провалилась. Однако «Набукко», представленная в первый раз в 1842 г., сделала Верди знаменитым. За «Набукко» последовали сразу несколько опер, в том числе «Ломбардцы в крестовом походе» ("I Lombardi") и «Эрнани» ("Ernani"), которые ставились и имели успех в нескольких городах Италии.

В 1847 г. «Ломбардцы», переписанная и переименованная в «Иерусалим» ("Jerusalem"), была поставлена Парижской Оперой и стала первой оперой Верди в стиле гранд-опера.

В возрасте тридцати восьми лет у Верди возник роман с Джузеппиной Стреппони, певицей (сопрано), к тому времени заканчивающей карьеру (они поженились лишь через одиннадцать лет). Вскоре Джузеппина прекратила выступления, и Верди решил закончить карьеру вместе с женой. Возможно, именно Джузеппина убедила его продолжить писать оперы. Первая же опера, написанная Верди после официального окончания карьеры, стала первым его шедевром - «Риголетто»(либретто по мотивам пьесы Виктора Гюго). Первая постановка состоялась в Венеции в 1851 г. и имела грандиозный успех.
Невыразимо прекрасные мелодии разбросаны по всей партитуре, бесчисленные арии, дуэты, трио, квартет следуют друг за другом, кипят страсти, комедия и трагедия переплетаются и сливаются вместе.

«Травиата», следующая великая опера Верди, была сочинена и поставлена через два года после «Риголетто». Либретто написано по мотивам пьесы Александра Дюма-сына «Дама с камелиями».

Затем были написаны ещё несколько опер, среди них - «Сицилийская вечеря» ("Les v?pres siciliennes"), «Трубадур» ("Il Trovatore"), «Бал-маскарад» ("Un ballo in maschera"), «Сила судьбы» ("La forza del destino"), вторая редакция «Макбет» ("Macbeth").

В 1869 г. Верди сочинил «Libera Me» к Реквиему памяти Джоаккино Россини. В 1874 г. Верди написал свой реквием на смерть почитаемого им писателя Алессандро Мандзони, включив в него переработанную версию ранее написанной «Libera Me».

Одна из последних великих опер Верди «Аида» была ему заказана для торжеств по случаю открытия Суэцкого канала. «Аида» была поставлена в Каире в 1871 г. с огромным успехом.

В последующие двенадцать лет Верди работал очень мало, редактируя некоторые свои ранние вещи.

Опера «Отелло» ("Otello"), написанная по мотивам пьесы Уильяма Шекспира, была поставлена в Милане в 1887 г. Музыка этой оперы не содержит традиционного для итальянской оперы деления на арии и речитативы - данное новшество было введено под влиянием оперной реформы Р.Вагнера.

Последняя опера Верди «Фальстаф» ("Falstaff"), либретто которой Арриго Бойто написал на сюжет пьесы Шекспира «Виндзорские проказницы» ("Merry Wives of Windsor") в переводе её на французский язык Виктора Гюго. Неуловимость и искрометность мелодий позволяет не задерживать развитие сюжета и создает неповторимый эффект сумбурности, столь близкий духу этой шекспировской комедии. Опера заканчивается семиголосной фугой в которой Верди в полной мере демонстрирует свое блестящее владение контрапунктом.

Умер Верди в Милане 27 января 1901 г.

Наступает XX век и, продержавшись еще немного, период романтизма уступает место новым течениям и направлениям в уже ставшей классической музыке. Происходят значительные изменения в музыке - приходит период модернизма.

Знаковые работы периода романтизма в музыке:

Бетховен Симфония № 9
Чайковский "Щелкунчик", Симфония № 6
Шуберт "Зимний путь"
Лист "Симфония Фауста"
Вагнер "Тристан и Изольда", Цикл "Кольцо Нибелунга"
Верди "Риголетто"

Тема 12

Музыкальный импрессионизм (фр. impressionnisme, от фр. impression — впечатление) — музыкальное направление, аналогичное импрессионизму в живописи и параллельное символизму в литературе, сложившееся во Франции в последнюю четверть XIX века — начале XX века, прежде всего в творчестве Эрика Сати, Клода Дебюсси и Мориса Равеля.

Точкой отсчёта «импрессионизма» в музыке можно считать 1886-1887 год, когда в Париже были опубликованы первые импрессионистические опусы Эрика Сати («Сильвия», «Ангелы» и «Три сарабанды») — и как следствие, пять лет спустя, получившие резонанс в профессиональной среде первые произведения Клода Дебюсси в новом стиле (прежде всего,

• 1 Происхождение
• 2 Особенности стиля
• 3 Представители импрессионизма в музыке

Происхождение

Музыкальный импрессионизм в качестве предшественника имеет прежде всего импрессионизм во французской живописи. У них не только общие корни, но и причинно-следственные отношения. И главный импрессионист в музыке, Клод Дебюсси, и особенно, Эрик Сати, его друг и предшественник на этом пути, и принявший от Дебюсси эстафету лидерства Морис Равель, искали и находили не только аналогии, но и выразительные средства в творчестве Клода Моне, Поля Сезанна, Пюви де Шаванна и Анри де Тулуз-Лотрека.

Сам по себе термин «импрессионизм» по отношению к музыке носит подчёркнуто условный и спекулятивный характер (в частности, против него неоднократно возражал сам Клод Дебюсси, впрочем, не предлагая ничего определённого взамен). Понятно, что средства живописи, связанные со зрением и средства музыкального искусства, базирующиеся большей частью на слухе, могут быть связаны друг с другом только при помощи особенных, тонких ассоциативных параллелей, существующих только в сознании. Проще говоря, расплывчатое изображение Парижа «в осеннем дожде» и такие же звуки, «приглушённые шумом падающих капель» уже сами по себе имеют свойство художественного образа, но не реального механизма. Прямые аналогии между средствами живописи и музыки возможны только при посредстве личности композитора, испытавшего на себе личное влияние художников или их полотен. Если художник или композитор отрицает или не признаёт подобные связи, то говорить о них становится как минимум, затруднительным. Однако перед нами в качестве важного артефакта имеются признания и, (что важнее всего) сами произведения главных действующих лиц музыкального импрессионизма. Отчётливее остальных эту мысль выразил именно Эрик Сати, постоянно акцентировавший внимание на том, сколь многим в своём творчестве он обязан художникам. Он привлёк к себе Дебюсси оригинальностью своего мышления, независимым, грубоватым характером и едким остроумием, не щадящим решительно никаких авторитетов. Также, Сати заинтересовал Дебюсси своими новаторскими фортепианными и вокальными сочинениями, написанными смелой, хотя и не вполне профессиональной рукой^[1]. Здесь, ниже приведены слова, с которыми в 1891 году Сати обращался к своему недавно обретённому приятелю, Дебюсси, побуждая его перейти к формированию нового стиля:

 

Пюви де Шаванн (1879) «Девушки на берегу моря» (любимая картина Сати в молодости)

Когда я встретил Дебюсси, он был полон Мусоргским и настойчиво искал пути, которые не так-то и просто найти. В этом отношении я его давно переплюнул. Меня не отягощала ни Римская премия, ни какие-либо другие, ибо я был подобен Адаму (из Рая), который никогда никаких премий не получал — несомненно лентяй!…^[2]

Я писал в это время «Сына звёзд» на либретто Пеладана и объяснял Дебюсси необходимость для француза освободиться от влияния вагнеровских принципов, которые не отвечают нашим естественным стремлениям. Я сказал также, что хотя я ни в коей мере не являюсь антивагнеристом, но всё же считаю, что мы должны иметь свою собственную музыку и по возможности, без «кислой немецкой капусты». Но почему бы для этих целей не воспользоваться такими же изобразительными средствами, которые мы видим у Клода Моне, Сезанна, Тулуз-Лотрека и прочих? Почему не перенести эти средства на музыку? Нет ничего проще. Не это ли есть настоящая выразительность?

Клод Дебюсси (фр. Achille-Claude Debussy) — французский композитор, пианист, дирижер, музыкальный критик. Его музыка представляет собой переходную форму от поздней романтической музыки к модернизму в музыке XX столетия.

Дебюсси окончил Парижскую консерваторию (1884 г.). Лауреат Римской премии. Ученик А. Мармонтеля (фортепиано), Э. Гиро (композиция). Как домашний пианист русской меценатки Н. Ф. фон Мекк, сопровождал её в путешествиях по Европе.

Выступал как дирижёр и пианист с исполнением преимущественно собственных произведений, а также как музыкальный критик (с 1901 г.).

Клод Дебюсси — основоположник и ярчайший представитель музыкального импрессионизма. В своём творчестве опирался на французские музыкальные традиции: музыка французских клавесинистов (Ф. Куперен, Ж. Ф. Рамо), лирическая опера и романс (Ш. Гуно, Ж. Массне). Значительным было воздействие русской музыки (М. П. Мусоргский, Н. А. Римский-Корсаков), а также французской символистской поэзии и импрессионистской живописи. Д. воплотил в музыке мимолётные впечатления, тончайшие оттенки человеческих эмоций и явлений природы. Совершенным воплощением музыкального импрессионизма современники считали оркестровую Прелюдию к "Послеполуденному отдыху фавна“ (по эклоге С. Малларме, 1894 г.), в которой проявились характерные для музыки Дебюсси зыбкость настроений, утончённость, изысканность, прихотливость мелодики, колористичность гармонии. Одно из наиболее значительных произведений — опера «Пеллеас и Мелизанда» (по драме М. Метерлинка, 1902 г.), в которой достигнуто полное слияние музыки с действием. Отзвуки этого произведения обнаруживаются в операх Дж.Пуччини, Б.Бартока, Ф.Пуленка, И.Стравинского, С.Прокофьева. Блеском и в то же время прозрачностью оркестровой палитры отмечены 3 симфонических эскиза «Море» (1905 г.) — самое крупное симфоническое сочинение ком-позитора. Дебюсси обогатил средства музыкальной выразительности, оркестровую и фортепианную палитру.

В некоторых произведениях — «Бергамасская сюита» для фортепиано (1890 г.), музыка к мистерии Г.Д’Аннунцио «Мученичество св.Себастьяна» (1911 г.), балет «Игры» (1912 г.) — проявляются черты, присущие неоклассицизму, они демонстрируют дальнейшие поиски Дебюсси в области тембровых красок, колористических сопоставлений. Клод Дебюсси создал новый пианистический стиль (этюды, прелюдии). Его 24 прелюдии для фортепиано (1-я тетрадь — 1910 г., 2-я — 1913 г.), имеющие поэтическими названиями («Дельфийские танцовщицы», «Звуки и ароматы реют в вечернем воздухе», «Девушка с волосами цвета льна»), создают образы мягких, порой нереальных пейзажей, имитируют пластику танцевальных движений, навевают поэтические видения, жанровые картины. Творчество Дебюсси оказало существенное влияние на композиторов многих стран.

Жозеф-Морис Равель (Joseph Maurice Ravel) (7 марта 1875 - 28 декабря 1937) - французский композитор и дирижер, один из величайших музыкантов первой половины 20-го века, работал в стиле импрессионизма, который характеризуется элегантностью и техническим совершенством. Музыкальные теоретики считают Равеля одним из лучших дирижеров века за его способность создать калейдоскопический набор звуков в оркестре, он также написал несколько превосходных, технически сложных работ для фортепиано.

Морис Равель родился 7 марта 1875 года в Сибуре (город в регионе Нижних Пиренеев Франции, недалеко от границы с Испанией). Он был первенцем в семье Пьера-Жозефа Равеля и Марии Делуар. Его отец имел французские и швейцарские корни, мать была из старинной семьи басков. От отца, инженера по профессии, он унаследовал искреннюю страсть к музыке и точность, которая стала характерной чертой Равеля-музыканта. Его мать пела ему испанские народные песни, в дальнейшем многие из композиций Равеля будет опираться на музыкальное наследие этой страны.

Равель вырос в Париже, куда его семья переехала через 3 месяца после его рождения. Семья жила в богемном районе Монмартра, первые уроки игры на фортепиано Морис Равель начал в возрасте семи лет с уважаемым композитором и исполнителем того времени Анри Гисом. С 1887 года его учителем стал Шарль Рене, который обучал Равеля, помимо техники исполнения, гармонии, контрапункту и композиции. Именно в этот период Равель сочинил вариации на тему Шумана и первую часть сонаты для фортепиано.

В 1889 году Равель поступил в Парижскую консерваторию, где учился по классу фортепиано сначала у Ш.Антиома, а с 1891 года у Ш.Берио, гармонию изучал у Э.Пессара. Уже первые пьесы Равеля (1893 г.) имеют четко выраженные черты его стиля, хотя в них и чувствуется влияние музыки Э.Шабрие и Э.Сати, необычностью которой он восхищался. В 1897 году Равель был принят в класс композиции Габриеля Форе, тогда же он начал заниматься контрапунктом с Андре Жедальжем. Во время учебы в консерватории Равель сделал три попытки (1901-1903 гг.) выиграть престижную Римскую премию, но безуспешно, в 1905 году ему было отказано в праве на участие. В связи с этим отказом, который был необоснован, разразился скандал в парижской прессе, что, в конечном итоге, привело к отставке директора консерватории Т.Дюбуа и назначению на эту должность Г.Форе.

Первым произведением Равеля, получившим известность, стала "Павана на смерть инфанты" (1899 г.). В 1901 году появляется фортепианный цикл "Игра воды", это новый тип французской фортепианной пьесы. Струнный квартет, четырехчастное произведение, Равель посвятил своему учителю Г.Форе.

"Зеркала" - сборник из пяти пьес (музыкальные зарисовки природы ("Ночные бабочки", "Грустные птицы", "Лодка в океане", "Долина колокольных звонов") и одна - жанровая сцена ("Альборада")), предлагающих слушателю немалое количество рафинированных сенсорных элементов, которые могут быть оценены в соответствии с его воображением.

В 1906-1908 годы были написаны такие произведения, как вокальные "Естественные истории", оркестровая "Испанская рапсодия", опера "Испанский час", фортепианные "Ночной Гаспар" и "Матушка-Гусыня". В эти же годы Равель начинает работать над балетом "Дафнис и Хлоя".

Во время Первой мировой войны Равель пошел добровольцем на фронт и служил в качестве водителя автомобиля скорой помощи. Военные тяготы, в сочетании с потерей матери в 1917 году, оставили его физически и духовно ослабленным. В 1921 году, чувствуя необходимость уединения, Равель переехал в Монфор-Л'Амори на виллу Бельведер, в пятидесяти километрах от Парижа. Там он пишет, хотя и менее плодотворно, чем в предыдущие годы, занимается садоводством. Равель был элегантен, как утверждают, он первый во Франции стал носить рубашки пастельных оттенков, он отличался безупречными манерами, был великолепным собеседником, но никогда не был женат, полагая, что артистический темперамент не подходит для брака.

В 1922 году Равель оркеструет "Картинки с выставки" Мусоргского, его оркестровка стала лучшей для этого произведения. Он продолжал писать камерные произведения, такие как Соната для скрипки и виолончели, в 1925 году Равель завершил работу над оперой-балетом "Дитя и чары", в сотрудничестве с французской писательницей Колетт, премьера состоялась в Монте-Карло в марте 1925 года. В 1928 год