Мода и искусство. Конспект для ответа

План ответа:

1. Связь моды и искусства

2. Является ли мода искусством?

3. Истоки модной индустрии. Концепция моды в ее

современном понимании

4. Мода и искусство сегодня

1.Мода и искусство всегда были тесно связаны – обе эти области культуры принадлежат к условной сфере прекрасного и отражают культуру времени. Поэтому одно способно вдохновлять другое в поисках стиля, форм, языка изобразительности. И в этом проявляется прекрасный и естественный процесс интеграции моды и искусства, который начался еще в начале XX века, когда художники, архитекторы и прочие люди искусства вступили в область промышленного дизайна и моды. Например, Густав Климт делал принты и рисовал скетчи моделей одежды. Эльза Скиапарелли адаптировала к миру моды образы с полотен сюрреалистов так, что все эти сумки-телефоны и платья-лобстеры мы видим до сих пор. В России Надежда Ламанова, создавая одежду для нового советского человека, черпала вдохновение из работ Кандинского, Родченко, конструктивистов. Она писала: «...Я совсем не являюсь портнихой в общепринятом смысле этого слова. Я работаю в деле пошивки женского платья как художник». Неудивительно, что теперь ее работы хранятся в Эрмитаже и других музеях.

Бесспорно, что костюмы играют важную роль в балете, кино и в театральных постановках, где они отражают характер и образ персонажей; в музыке, где они служат для исполнителя определенным маркером пропагандируемого им музыкального стиля и способом обратить на себя дополнительное внимание публики.

Взаимосвязь и взаимовлияние друг на друга моды и культуры несомненны. На протяжении веков мода шла и менялась синхронно с переменами в культуре, отражая и, в тоже время, формируя их. Мы можем наблюдать это взаимодействие, например, в изобразительном искусстве и литературе, образы которых менялись в зависимости от того, какой образ жизни и какие каноны красоты были в моде в тот или иной период истории человечества.

Для каждой исторической эпохи характерна мода на определенные, порой диаметрально противоположные, эстетические идеалы. Так, образы пышнотелых красавиц в картинах Рубенса и Боттичелли отражают идеалы эпохи Ренессанса, тогда как в Средние века модными были болезненно бледные худые дамы со слегка выступающим животом. И одежда, создававшаяся в те времена, соответственно была такой, чтобы как можно более приблизить силуэт человеческого тела к общепринятому в ту или иную эпоху идеалу.

2. Является ли мода искусством? Обычно под словом «искусство» подразумевается произведения элитарной культуры — живопись, скульптура, музыка. Мода, напротив, в первую очередь воспринимается как индустрия (даже когда в ней явно присутствует элемент творчества) и неотъемлемая часть повседневной жизни.

Традиционно к моде относились скорее с пренебрежением — как к чему-то поверхностному, недолговечному и плотскому. Искусство, напротив, ценилось — как форма, исполненная смысла, бесконечно прекрасная и духовная по природе. Поскольку мода меняется и изменчивость составляет суть моды, считалось, что в ней нет истины и вечного идеала красоты, которые обычно ассоциировались с высоким искусством. Некоторые критики-культурологи описывали моду как «любимое дитя капитализма». Таким образом, несмотря на присущие моде эстетические составляющие, она обычно рассматривалась как предмет потребления, в то время как искусство ассоциировалось с более высокой эстетической сферой.

3. Современная индустрия моды, построенная на фирмах и именитых модных домах, управляемых отдельными дизайнерами, берет свое начало в XIX веке, когда французский модельер Чарльз Фредерик Уорт основал свое предприятие по пошиву одежды и первым начал отмечать ярлыками свои изделия.

Мода, в узком значении этого слова, появилась гораздо ранее. Одежда приобрела социальную, а вместе с тем и культурную значимость, как только человек вышел из пещеры и общество начало дифференцироваться на слои. Одежда, как и сейчас, была способом либо отнести себя к определенной группе людей (например, племени), либо, наоборот, выделить себя в ней, подчеркнуть свой социальный статус и показать свои достижения.

Концепция моды в современном ее понимании начала складываться в Западной Европе только в XII–XIII вв. с началом активного роста городов, развитием цехового производства и появлением новых технологий. Именно города стали центром промышленного производства, политической и культурной жизни общества, именно в городах зарождались новые культурные и модные веяния. С этого времени фасоны, ткань и украшения одежды должны были отвечать требованиям быстро сменяющейся моды.

Тем не менее, долгое время мода продолжала оставаться привилегией правящих сословий, тогда как одежда низших сословий была, по большей части, традиционной и часто не менялась веками. С появлением же в XV в. мануфактур и угасанием цехового производства мода начала свое движение в массы – сначала в активно растущее и богатеющее буржуазное сословие, а позже, после технической революции XVIII в., и к массовому потребителю. В XIX веке потребность одеваться и украшать себя стала одним из наиболее влиятельных феноменов в западной цивилизации. Возникло понятие «высокой моды», появление и развитие которого тесно связано с именем уже упомянутого Чарльза Фредерика Уорта.

Одним из наиболее влиятельных модельеров начала XX века был Поль Пуаре. В 1920-х годах он заявил: «Я не портной, я — художник!». Наряды Пуаре славились своей броскостью и обилием фактур, а также создавались в единственном экземпляре, что действительно давало возможность мсье Пуаре отнести себя к художникам.

Если Пуаре задействовал элитарную культуру как инструмент своей риторики и боролся с противоречиями, которые неизбежно вызывал такой подход, то Коко Шанель заявляла: «Платье — это очаровательное и недолговечное творение, но не бессмертное произведение искусства. Мода должна умереть и умереть быстро, ради того чтобы могла выжить коммерция». Шанель не только относилась к Пуаре как к костюмеру, она также пренебрежительно называла свою великую соперницу Эльзу Скиапарелли «эта итальянская художница, которая делает одежду», — недвусмысленно намекая на то, что художнику не место в мире моды. Скиапарелли относилась к дизайну одежды не как к «профессии, но как к искусству». Она неоднократно вступала в творческий альянс с художниками — Сальвадором Дали, Жаном Кокто — и говорила, что, работая с ними, ощущает «поддержку и понимание, уносящие за пределы грубой и скучной реальности, где платья просто делаются на продажу». Обладая модернистским сознанием, Шанель была предана идее моды как аспекта современной жизни. В отличие от нее, и Пуаре, и Скиапарелли видели в моде театр, перформанс — а следовательно, форму искусства.

К 1950-м годам большинство модельеров приняло сторону Пуаре, признав себя художниками. В 1960-х индустрии потребовалась иная форма производства. У моды появилась новая целевая аудитория, не имевшая денег на индивидуальный пошив, и производителям одежды пришлось оптимизировать процесс изготовления. Актуальным идеалом стала юность, и фэшн-индустрии пришлось приспособиться. Так появилась дешевая мода. Одновременно с этим образовался тесный симбиоз молодежной моды и поп-культуры. Когда музыка и искусство задавали новое направление, мода следовала за ними – и наоборот. В 1980-е одна за другой стали появляться выставки, посвященные различным стилям в одежде.

4.Сегодня же мода – явление массовое и общедоступное, что стало возможным во многом благодаря процессу глобализации и появлению интернета. В современном мире мода оказывает огромное влияние на все сферы общественной жизни, включая искусство, науку и даже политику.

Театрализованные модные показы XXI века стали своеобразным посредником между актуальным искусством и проектированием одежды. Кроме того, прослеживается значительное воздействие концептуального феномена и на дизайне костюма и на развитие модного дефиле. Концептуализм стал, своего рода, двигателем моды и ее составляющих. Эпоха постмодерна изменила само понятие искусства.

Одной из характерных черт постмодернизма является то, что главную роль играет не само произведение или процесс его создания, а то, как это произведение преподносится зрителю и какое воздействие оказывает на него. А в силу того, что искусство сегодня доходит до общества по средствам массовой коммуникации, искусство сегодня становится «медийным». А это непосредственно связывает художественное и эстетическое восприятие конкретной работы с историей ее создания, драматургией презентации и успеха. Таким образом, всеобщее признание художника зависит от меры воздействия, распространения, произведённого эффекта и способности привлечь, а подчас и шокировать зрителя.

Сегодня модные показы превращаются в феерические действия. Активно используются современные достижения в науке и технике при организации показа. Сложно продумывается дизайн площадок, привлекаются актеры, музыканты и художники, для создания идейной атмосферы. Сами же показы проводятся в пространстве отелей, аэропортов, ресторанов, кафе, крупных торговых центрах и т. д. Таким образом, для организации модного показа привлекаются другие виды искусства такие как, архитектура, музыка, прикладное искусство, эстрада и т. д., что является одним из признаков искусства постмодернизма — синтетичность. Этот же признак не дает отнести модный показ ни к одному из выделенных видов искусств, делая его самостоятельным. Сегодня модные показы отличают различные подходы в постановках: от видимой идеи формы и цвета одежды до философской глубины подтекстов смыслов и образов моды, от особой гармонии тела человека и костюма до многообразной трансформации окружающей среды. Такое событие становится специфическим способом передачи художественных идей, формирование новых явлений и смыслов, визуализации мыслей дизайнера одежды.

Современное искусство стремится расширить рамки, обозначенные ранее, молодым творцам мало холста и куска мрамора, им хочется задействовать как можно больше пространства. Создаются инсталляции и шокирующие флэш-мобы. Сегодня мода и искусство просто не могут существовать друг без друга.  Дизайнеры вдохновляются работами как мастеров эпохи Ренессанса, так и современными провокационными работами Джеффа Кунса и Дэмиена Херста. Молодые художники все чаще принимают участие в коллаборациях как с известными, так и с начинающими брендами. С ростом ожиданий потребителей всё больше брендов обращаются к искусству и культуре, стремясь вывести взаимодействие с целевыми аудиториями на новый уровень. Они сотрудничают с художниками, создают собственные культурные пространства и инициируют новые произведения и выставочные проекты. Креативные партнёрства становятся более неожиданными: арт-инициативы запускают массовые и технологические бренды, компании привлекают к партнёрству мастеров, которые их критикуют, а лидеры люксового сегмента сотрудничают со стрит-арт-, граффити- и тату-художниками.