Мегаобучалка Главная | О нас | Обратная связь


Общая характеристика античной комедии. Аристофан



2016-01-26 2811 Обсуждений (0)
Общая характеристика античной комедии. Аристофан 0.00 из 5.00 0 оценок




Комедия – это вторая отрасль греческой драмы. Античная комедия на злобу дня, это дело нелегкое и серьезное. Античная комедия – остро политическая, философская, отчасти идеологическая. Хор в комедии носит уродливые маски и одежды. С фольклорной традицией комедию связывает борьба старого и молодого – нет среднего возраста. Побеждали молодые. Элемент карнавального действа – «последние да будут первыми». Во время игр рабы менялись местами с господами. У жанра древнеаттической комедии были и свои литературные предшественники – фольклорная дорийская драма (возникла в Мегарах) и литературная сицилийская комедия. Влияние мима. Мим – это сценка с натуры, из обыденной жизни, с упором не на сюжет и действие, а на воспроизведение характерных черт представителей профессий. Мим «Сиракузинки» включал речь – обличал туристов. Объектом изображения в древней аттической комедии миф не был. Авторов занимала злободневная политика. Политика, изобличение, включала полную свободу личной издевки. Аристофан издевался над Еврипидом, Сократом. Прием – карикатура, шарж, пародия и гротеск на грани фантастики. Древнеаттическая комедия не индивидуализировала персонажей. Маски: ученый-шарлатан, хвастливый воин, шут, парасит-нахлебник. Сюжет древнеаттической комедии носит фантастический характер. Предлагают утопические выходы из сложившейся ситуации.

Аристофан 450-384 гг. до н.э. Был человеком среднего достатка, идеалом для себя избирает образ среднего крестьянина – имеет рабов, но и сам работает. Аристофан требует подписания мира. Полис уже себя изжил, но Аристофан все еще прославляет его. Наука шагнула вперед, а Аристофан настаивает на богах. Была необходимость реорганизации собрания. Нужно было изменить образование. Дюди разные, нельзя всех воспитывать одинаково. Аристофан не может задержать развитие, хотя и старается. Аристофана любили в Афинах. Его часто ставили. Люди его слушали, уважали. Но через полтора века его забыли. Новая комедия вообще не использует опыт Аристофана. Аристофана признают великим комедиографом, но никто не следует его традициям.

 

«Всадники». Первый период творчества, самый злободневный. Против войны, против Клеона (политик, демагог, очень популярен, бездарный военачальник). Ставить пьесу опасались, премьера могла кончиться плохо. Здесь Аристофан еще и критикует сам афинский народ. Финал многозначен, Колбасник обещает омолодить Демоса, варит его в котле – тот становится молодым – и в конце концов появляется в костюме времен Греко-персидской войны, что символизирует силу греков в единстве. Комедия была принята.

 

«Ахарняне». Главный персонаж – «справедливый гражданин», среднее сословие крестьянства. Страдает от войны, приходит к согражданам и агитирует против нее. Его хотят убить. Он живет со всеми в мире, торгует, богатеет. А Афины голодают. Тут впервые встречаем насмешку над Еврипидом.

 

«Облака». Отличается от обычных комедий. Посвящена культурной проблеме: выступает против софистов и Сократа. Проблема воспитания молодежи. Афинянам вечные проблемы казались скучными. «Облака» оказались роковыми в жизни Сократа. Обличение в безбожности, безнравственности и развращении молодежи. На суде в качестве обвинения зачитывалась пьеса. Происходит спор между ложью и правдой – прежде всего о проблеме воспитания. Сократ и софисты считали, что образование должно быть по склонностям. Аристофан называет это развращенным. Заканчивается все еще одним агоном.

 

Напрямую спор с Еврипидом идет в комедии «Лягушки». Это первая литературно-критическая полемика. Две части: 1) посвящена путешествию Диониса в царство мертвых за театралами. Дионис хочет забрать Еврипида. Он пустозвон, пижон, постоянно тормозит. Идет к Гераклу, узнать дорогу в царство мертвых. Дионис отправляется туда пешком, берет своего раба Ксанфия. Берет у Геракла львиную шкуру и палицу. Диониса постоянно бьют из-за одежды Геракла. 2) Царь рассказывает Дионису историю о том, что умер Еврипид и за ним пошла толпа маргиналов. До Еврипида на троне поэтов сидел Эсхил. Начинается агон. На сцену выносятся весы, на которых взвешиваются достоинства и недостатки Эсхила и Еврипида. Эсхил: тяжеловесный стиль, влияние на психику человека. Он утверждает, что лучше, так как несет гомеровское наследие в художественное творчество. Еврипид смеется над стилем Эсхила. Но в результате Еврипид соглашается, что язык его трагедий легче эсхиловской, но первенство отходит Эсхилу, потому что он патриотичен. Конец: Дионис выводит Эсхила.

 

10.Организация театральных представлений и устройство театра в Древней Греции.
Первоначально место для представлений устраивалось крайне просто: хор со своими песнопениями и плясками выступал на круглой утрамбованной площадке - орхестре (от глагола орхеомай - "танцую"), вокруг которой и собирались зрители. Но по мере того как возрастало значение театрального искусства в общественной и культурной жизни Греции и по мере усложнения драмы, возникла необходимость в усовершенствованиях. Холмистый ландшафт Греции подсказал наиболее рациональное устройство сценической площадки и зрительских мест: орхестра стала располагаться у подножия холма, а зрители размещались по склону.

Все древнегреческие театры были открытыми и вмещали огромное количество зрителей. Афинский театр Диониса, например, вмещал до 17 тысяч человек, театр в Эпидавре - до 10 тысяч.

В V в. до н.э. в Греции сложился устойчивый тип театрального сооружения, характерный для всей эпохи античности. Театр имел три главные части: орхестру, театрон (места для зрителей, от глагола “теаомай” - "смотрю") и скену (“скенэ” - "палатка", позже деревянное или каменное строение).

Размер театра определялся диаметром орхестры (от 11 до 30 м). Скена располагалась по касательной к окружности орхестры. Передняя стена скены - проскений, имевший обычно вид колоннады, - изображал фасад храма или дворца. К скене примыкали два боковых строения, которые назывались параскениями. Параскении служили местом для хранения декораций и другого театрального имущества.

Между скеной и местами для зрителей, занимавшими несколько более половины круга, находились проходы - пароды, через которые в театр до начала спектакля входили зрители, а затем вступали на орхестру хор и актеры.

Простота сценического оборудования была обусловлена не слабым уровнем развития античной техники. В театре классической поры внимание зрителей сосредотачивалось на развитии действия, на судьбе героев, а не на внешних эффектах.

Планировка греческого театра обеспечивала хорошую слышимость. Кроме того, в некоторых театрах для усиления звука среди зрительских мест размещались резонирующие сосуды. Занавеса в древнегреческом театре не было, хотя возможно, что в некоторых пьесах какие-то части проскения временно закрывались от зрителей.

Театральные представления, как мы уже знаем, происходили в дни всенародных праздников в честь Диониса. Все дела на это время приостанавливались, суды закрывались, должники освобождались от необходимости уплачивать долги в течение всех дней праздника; даже заключенных выпускали из тюрем, чтобы и они могли Припять участие в общем празднике. В театре бывали не только мужчины, но и женщины, дети. Даже слугам — домашним рабам — разрешалось посещение театра. За вход взималась небольшая плата для покрытия расходов на содержание театральной постройки.
При Перикле неимущим гражданам выдавались для посещения театра особые зрелищные деньги (теорикон).
Драматические представления в Афинах начинались на рассвете и шли до самого вечера. Зрители ели и пили в самом театре. Все были одеты в праздничные одежды, с венками на голове. Праздник Великих Дионисий собирал огромное количество народа, причем это были не только афиняне и жители Аттики но и граждане других полисов, приезжавшие со всей Греции.
Порядок представления тетралогий и комедий соревнующихся поэтов определялся по жребию. Звук трубы возвещал о начало каждой пьесы.
Афинская публика была очень восприимчивой и непосредственной. Если пьеса нравилась, зрители выражали одобрение аплодисментами и криками. Если же пьеса не нравилась, зрители свистели, стучали ногами. Бывали и такие случаи, когда актеров прогоняли со сцены камнями или требовали прекратить пьесу и начинать новую. Можно сказать, что суждение парода имело существенное значение для успеха представления.

 

11. Актеры и хор в древнегреческом театре.
Так как число актеров не превышало трех, то одному и тому же актеру приходилось играть в спектакле несколько ролей. Впрочем, значительная часть драмы проходила не перед глазами зрителей: они узнавали о том, что произошло за сценой, через вестников, домочадцев, слуг. Это и давало возможность обходиться таким малым количеством актеров. Кроме того, если в пьесе были роли без слов, то в этих ролях могли использоваться не актеры-профессионалы, а статисты. Женские роли всегда исполнялись мужчинами.
Актеры должны были не только хорошо декламировать стихи, но и владеть вокальным мастерством: в наиболее патетических местах актеры исполняли арии — монодии. Путем постоянных упражнений греческие актеры вырабатывали звучность и выразительность голоса, безукоризненность дикции и доводили до большого совершенства искусство пения. Греческие актеры должны были владеть и искусством танца, искусством движения. Они много работали над гибкостью и выразительностью тела. Актеры выступали в масках, так что мимика была исключена из игры. Тем больше внимания приходилось уделять жесту.

Трагический хор насчитывал сначала 12 человек, затем состав его был увеличен до 15. В комедии хор всегда состоял из 24 человек. Участники хора назывались хоревтами, предводитель хора — корифеем. При выходе на орхестру впереди хора шел флейтист, который останавливался на ступенях алтаря, расположенного в центре орхестры.
В трагедии хор .обычно изображал людей, близких главному герою. Так, в “Прометее Прикованном” Эсхила хор составляют Океаниды — дочери Океана, сочувствующие страданиям Прометея и готовые разделить его судьбу. Комический хор мог изображать не только людей, по и животных и различных мифологических, сказочных существ. Например, в комедии Аристофана “Облака” хор состоит из “облаков”.
Среди ученых существовало мнение, что хор в греческой трагедии тормозил действие и являлся просто данью культовой традиции. Однако это не так. Трагедия развилась именно на основе хора, из которого впоследствии был выделен один актер. С появлением второго и третьего актера роль хора ослабевает, драматический конфликт может теперь развиваться и без участия хора. Но хор не исчезает — он существует как непременный компонент у всех драматургов классического периода, хотя не всегда несет одинаковую сюжетную нагрузку. Жизненность хора в этот период объясняется тем, что в трагедии, расцветшей па демократической основе, он был прежде всего выразителем общественного мнения. Хор — это коллективный герои. Его партии и поныне помогают понять философский и человеческий смысл трагедии, решение ее основного конфликта.
Театральные представления, как мы уже знаем, происходили в дни всенародных праздников в честь Диониса.

 

12. Исторические условия развития театра Европы в средние века. Жанры
средневекового театра.

Истоки театра средневековья надо искать в сельских обрядах народов, пришедших на смену рабовладельческому Риму, в самом быту земледельцев. Народ, хотя и принявший христианство, еще находился под сильнейшим влиянием языческих верований. Несмотря на преследование церкви, деревенское население по древним обычаям праздновало конец зимы, приход весны, сбор урожая; в играх, танцах и песнях люди выражали свою наивную веру в богов, олицетворяющих силы природы. Эти праздники и положили начало будущим театральным действиям. В Швейцарии зиму и лето изображали парни — один в рубахе, другой в шубе. В Германии в честь весны устраивались костюмированные карнавальные шествия. В Англии весенние праздники выливались в многолюдные игры, пляски, состязания в честь мая, а также в память народного героя Робина Гуда. Зрелищными элементами были богаты весенние игры в Италии и Болгарии.

Эти массовые праздники были пронизаны здоровым юмором, выражали творческие силы народа. Постепенно, все больше терялся обрядово-культовый смысл, они отражали элементы реальной жизни деревни, связывались с трудовой деятельностью крестьян, превращались в традиционные игрища, развлечения зрелищного характера.

Церковь преследовала это, но уничтожить любовь народа к театральным зрелищам была бессильна. Стремясь сделать церковную службу — литургию более действенной, духовенство начинает само использовать театральные формы. Возникает литургическая драма на сюжеты из Священного писания. Её разыгрывали в храме, а позже на паперти или церковном дворе. В XIII—XIV вв. появляется новый жанр средневекового театрального представления — миракль («чудо»). Сюжеты мираклей заимствуются из легенд о святых и деве Марии. Один из самых известных — «Миракль о Теофиле» французского поэта XIII в. Рютбефа.

1)Вершина средневекового театра — мистерия. Расцвет этого жанра приходится на XV в. В мистериях участвовало практически все население города: одни — в качестве актеров (до 300 и более человек), другие — зрителей. Представление приурочивалось к ярмарке, к торжественному случаю и открывалось красочным шествием горожан всех возрастов и сословий. Сюжеты брали из Библии и Евангелия. Действа шли с утра до вечера в течение нескольких дней. На деревянном помосте сооружались беседки, в каждой из которых происходили свои события. На одном конце помоста находился богато украшенный Рай, на противоположном — Ад.

2)Литургическая драма. Это театральное действо входило в состав богослужения (литургии).

Причины появления этого жанра, скорее всего, связаны с желанием священников привлечь как можно больше людей к религии, сделать богослужение (в Средние века христианская служба велась на латыни) более понятным для малограмотного простонародья.

3)Литургическая драма выходит из церкви на паперть и становится полулитургической драмой.

Мирских мотивов в этом представлении становится ещё больше. Она утрачивает свою прочную связь со службой и с церковным календарём, следовательно, выбор дня для проведения спектакля становится более свободным. Полулитургическая драма разыгрывается и в дни ярмарки. Вместо латыни спектакли начинают проходить на народных языках.

«Божественные» роли по-прежнему исполнялись церковнослужителями.

4)Миракль происходит из гимнов в честь святых и чтений их житий в церкви. Поэтому основой для сюжетов служили истории о чудесах, совершённых Девой Марией и святыми.

5) Моралите Это аллегорическая пьеса, в которой действуют персонажи-аллегории. Каждый из них является олицетворением какого-либо отвлечённого понятия (греха, добродетели, качества и т.д.). Суть сюжета сводилась к истории о том, как человек оказывается перед выбором между добром и злом.

 

 

13. Представление мистерии.
В день представления мистерии зрители уже с раннего утра рассаживались на деревянных помостах, выстроенных специально на городской площади. В начале мистерии выступал автор или руководитель постановки и читал пролог, в котором рассказывалась история, послужившая сюжетом данной мистерии, воздавалась хвала господу и городским властям. Затем говоривший пролог мог тут же обратиться к актеру с предложением начать представление.
Представление длилось целый день. Исполняли обычно ту часть мистерии, которую можно было сыграть за один день: от десяти до двенадцати тысяч CTHXOB. Поэтому крупные мистерии исполнялись в течение нескольких дней. После трех-четырех часов представления объявлялся перерыв. В перерывах публика обычно не расходилась, чтобы не лишиться с трудом добытого места. В антрактах для увеселения зрителей играла музыка, разносчики продавали различную снедь. Завершался день представлением эпилога, в котором рассказывалось о тех событиях, какие были показаны, и о тех, которые будут показываться на следующий день.
Система передвижных сценических площадок была особенно распространена в Англии, Испании и во Фландрии. Отдельные эпизоды мистерии показывались на так называемых "педжентах" - фургонах с высоким помостом, открытым со всех сторон. Показав определенный эпизод мистерии, педжент переезжал на соседнюю площадь, а на его место приезжал новый фургон со следующим эпизодом. И так до тех пор, пока все педженты не проходили через одну площадь. Более распространенной формой сценического устройства была система кольцевого оформления. Более совершенным и более распространенным типом сценического устройства является система беседок, расположенных на едином помосте по прямой линии и обращенных к зрителю фронтально.
Райское жилище мистерии отделывали с такой щедростью, что один из авторов сравнивал его с самим небесным раем. Если рай вызывал всеобщий восторг, то ад должен был приводить всех в трепет своими страшными орудиями пыток, огромным котлом, огнем и дымом, разверзшейся пастью дракона и т. п.
Если к декорационному искусству устроители и зрители мистерии были нетребовательны, то к сценическим эффектам отношение было прямо противоположным. Мистическая по своему содержанию и условная по форме, мистерия обладала большим количеством грубо натуралистических деталей. Пытки и казни во всех своих подробностях были похожи на реальные пытки и казни. Еще большее применение театральные трюки получали при изображении "чудес".Так, после смерти мучеников их святые мощи совершали всевозможные чудесные исцеления: слепые прозревали, безногие начинали ходить, бесноватые обретали разум, мертвые воскресали. С большим искусством исполнялись и пиротехнические фокусы. Огонь применялся во время пыток в аду.
Зрелищная сторона мистерии развилась к XV веку достаточно сильно, особенно ярко это проявлялось в костюмировке. В костюмах, как и во всей мистерии в целом, соблюдалось не историческое правдоподобие, а бытовое, современное.
столь противоположные манеры исполнения - патетическая и буффонная - были связаны и общими моментами: гиперболическим раскрытием идеи и характера. На данном этапе драматическое искусство могло выделять основное содержание только посредством преувеличения внешних черт, усиления интонаций и укрупнения жестов. Внутреннее раскрытие характера было совершенно недоступно исполнителям мистерии; даже самые острые драматические коллизии не получали сколько-нибудь осмысленной психологической мотивировки. Несмотря на преобладание патетического начала, буффонада в мистериях часто вступала в состязание с серьезным началом и переводила действие в комический план.
Дурак был активным, деятельным персонажем мистерии. Он выражал своими действиями и остротами народный юмор, едкую насмешку. Другую роль играл в мистерии бес - он сам всегда был объектом насмешек. Отплясывая и кувыркаясь на подмостках театра, черти теряли свое устрашающее воздействие.
Две комические фигуры мистерии - дурак и бес - определили в последующем развитии театра маски двух комиков - плута и простака; это отчетливо будет заметно в образах двух слуг итальянской комедии масок.
Режиссер-постановщик мистерии назывался «Руководитель игры» Он занимался отбором исполнителей и их обучением.
В 1402 году оно получило от короля Карла VI привилегию на монопольное право играть в столице "мистерии, миракли и прочие религиозные и моральные пьесы". Мистерия из общегородского празднества становится театральным зрелищем профессионального типа.
Дела Братства процветали, и все же мистерия доживала свои последние годы. 17 ноября 1548 года, парламент издал приказ, запрещающий Братству играть мистерии. Так заканчивается история мистериального театра во Франции.
У католической церкви забомбило от того, что какое то быдло играет сцены связанные с богом и требовало запрещения «бесовских игрищ».
Не удовлетворяла мистерия и в чисто художественном отношении. В том же послании прокурора говорилось: "Как устроители мистерий, так и исполнители - люди невежественные, простые ремесленники, не знающие ни а ни б, никогда не обучавшиеся театральному делу... При этом они не отличаются ни красноречием, ни чистым выговором, ни правильным произношением, ни даже пониманием того, что они говорят... и поэтому вместо того, чтобы достигнуть воспитательных целей, их игра оборачивается скандалом и вызывает насмешки".
Обреченная на неминуемую гибель внутренними противоречиями, лишенная поддержки церкви и городов, чуждая новым идейным устремлениям, мистерия завершила свою историю.
Просуществовав несколько столетий, этот религиозный жанр сам по себе не создал ничего значительного. Однако мистерия способствовала развитию театрального искусства, потому что заключала в себе значительный элемент самодеятельного творчества.
Активное участие в мистерии демократических масс развило в народе вкус к театру и заложило основы для будущего профессионального сценического искусства.
Масштабностью своего действия, контрастом патетического и буффонного мистерия подготовила некоторые особенности ренессансной драмы. Это отчетливо видно на примере английского театра.
Исторической заслугой мистерии было также и то обстоятельство, что на мистериальной сцене получили свое предварительное развитие два последних жанра средневекового театра - моралите и фарс.

 

14. «Адвокат Патлен», французский фарс ХV в. Представления фарса.
Адвокат Патлен жалуется Гильеметте, своей жене, что никто уже не нуждается в его услугах. В былые времена от клиентов отбою не было, теперь же он по целым неделям сидит без работы. Прежде они ни в чем себе не отказывали, а теперь вынуждены ходить в отрепьях и питаться сухими хлебными корками. Так жить больше нельзя, необходимо что-то предпринять. Мало ли на свете простаков, которых Патлену - ловкачу и хитрецу - ничего не стоит обвести вокруг пальца!
Адвокат отправляется к суконщику, известному всем своей скупостью. Патлен расхваливает щедрость и доброту его покойного отца, которого сам и в глаза не видел, хотя, по слухам, старик был таким же скрягой, как и его сын. Адвокат вскользь упоминает о том, что отец суконщика никогда не отказывал ему в кредите. Льстивыми речами Патлен располагает к себе угрюмого и недоверчивого суконщика и завоевывает его симпатию. В беседе с ним он невзначай упоминает о том, что сильно разбогател и все подвалы у него полны золота. Он охотно купил бы сукно, но не прихватил с собой денег.
Адвокат обещает дать за сукно тройную цену, но только вечером, когда суконщик придет к нему отужинать.
Патлен возвращается домой с сукном и рассказывает Гильеметте о том, как ловко он надул суконщика. Жена недовольна: она боится, что ее мужу несдобровать, когда обман раскроется. Но хитрый Пат-лен уже придумал, как избежать расплаты. Когда вечером скряга является к нему в дом, предвкушая даровое угощение и радуясь, что так дорого продал свой товар, жена адвоката уверяет суконщика, что муж при смерти и уже несколько недель не выходит из дому. Видно, за сукном приходил кто-то другой и назвался именем ее мужа. Однако суконщик ей не верит и требует денег. Наконец Гильеметта, рыдая, проводит упрямого торговца в комнату Патлена, который ловко разыгрывает перед ним роль умирающего. Тому ничего не остается, как уйти несолоно хлебавши.
Возвращаясь домой, суконщик встречает нерадивого и плутоватого слугу, который пасет его овец, и на нем срывает свой гнев. Пусть теперь слуга ответит перед судом, куда пропадают овцы: что-то они слишком часто болеют овечьей оспой.
Слуга встревожен, ибо на самом деле это он украл хозяйских овец. Он приходит за помощью к Патлену и просит быть его защитником в суде. Адвокат соглашается, но за высокую плату. Хитрец подговаривает слугу, чтобы тот на все его вопросы по-овечьи блеял, не говоря ни единого слова.
Суконщик, его слуга и адвокат являются в суд. Увидев Патлена, живого и здорового, скряга догадывается, что тот обманул его, и требует вернуть сукно или деньги. Совсем потеряв голову от гнева, он тут же набрасывается и на слугу, который ворует его овец. Суконщик так взбешен, что судье непонятно, кого и в чем тот обвиняет. Адвокат подсказывает судье, что, вероятно, торговец не в своем уме. Но поскольку суконщик требует разбирательства, адвокат приступает к своим обязанностям. Он начинает задавать вопросы слуге, но тот только блеет, как овца. Судье все ясно: перед ним двое умалишенных и ни о каком разбирательстве не может быть и речи.
Довольный таким исходом, слуга в ответ на требование Патлена уплатить ему обещанную сумму блеет по-овечьи. Раздосадованный адвокат вынужден признать, что на этот раз в дураках остался он сам.
Представление фарсов было любимым зрелищем. На пло­щадях и в тавернах, на бочках или на ящиках устраивался по­мост, к четырем шестам привешивались занавески, и бродячие комедианты тут же, среди шума и гама базарного дня, разыгры­вали свои маленькие веселые спектакли.

Во время представлений фарсов контакт между актерами и публикой был полный. Бывали случаи, когда действие начина­лось среди базарной толпы.

Фарсовые актеры уже создавали образы, хотя характеры этих образов были еще весьма схематичными и примитивными. Конечно, в их игре преобладало внешнее исполнение: сценическая динамика выражалась главным образом в потасовках и беготне, а сценическая характерность — в преувеличенных жестах и инто­нациях. Но все же цель у фарсёров была вполне определен­ной — изобразить живую личность, реального человека.

Главная особенность исполнения фарса — острая характер­ность — рождалась из общей идеологической направленности это­го жанра, в которомпоказать человека значило дать ему соответ­ствующую сатирическую оценку. Выразить эту оценку можно было только осгрьш, подчеркнутым изображением. Фарсовые актеры, показывая комических персонажей, по существу, пароди­ровали носителей различных пороков. Но, создавая карикатурный образ, необходимо было показать и собственное превосходство над ним, свое остроумие, ловкость, молодой задор. Текст фарса был стихотворным. Один и тот же сюжет встре­чался во многих вариантах. В фарс стихийно проникали различ­ные народные диалекты; эта смесь языков была особенно ти­пична для Франции и Италии. Во многих фарсах повторялись одни и те же типы: ловкий городской молодчик, простоватый муж, сварливая жена, хвастливый солдат, хитрый слуга, сласто­любивый монах, глупый крестьянин. Большинство фарсов за­канчивалось обращением актеров к зрителям. Тут была либо просьба о снисхождении, либо обещание в другой раз сыграть получше, либо дружеское прощание с публикой.

 

15. Общая характеристика эпохи Возрождения. Образ человека в искусстве
эпохи Возрождения.
Термин "Возрождение" (Ренессанс) появился в XVI веке древности. Творчество деятелей Возрождения проникнуто верой в безграничные возможности человека, его воли и разума, отрицанием католической схоластики и аскетизма (гуманистическая этика). Пафос утверждения идеала гармоничной, раскрепощенной творческой личности, красоты и гармонии действительности, обращение к человеку как к высшему началу бытия, ощущение цельности и стройной закономерности мироздания придают искусству Возрождения большую идейную значительность, величественный героический масштаб. Эстетическое и художественное мышление этой эпохи впервые опирается на человеческое восприятие как таковое и на чувственно реальную картину мира. Возрождения ориентирует искусство на подражание природе. Однако на первом месте здесь не столько природа, сколько художник, который в своей творческой деятельности уподобляется Богу. Работы художников становятся подписными, то есть подчеркнуто авторскими. Все больше появляется автопортретов.

Человек - высшее творение мира, утверждает Возрождение, его плоть создана из лучшей материи, его тело имеет совершенные формы, его разум - высшая духовная сила.

Возрождение восстанавливает представление о цельном человеке, единстве божественного чувственного тела и божественного сверхчувственного разума, утверждая их гармонию, и в этом противостоит Средневековью, которое видело в человеке только одно - его божественный дух, веру. Человек - вот центр, к которому сходятся все силы и от которого проистекают все движения этого мира. Отсюда разительные изменения, которые происходят в области культуры, в частности, искусства. Человек открывает для себя, что он - самый интересный объект для наблюдения, описания, любования. Не бог, не сонмы ангелов, а человек.

 

16. Общая характеристика итальянского театра эпохи Возрождения.
Обращение к идеалам античности в итальянском искусстве началось практически на несколько веков раньше, нежели в остальной Западной Европе - сначала в литературе, потом в изобразительном искусстве (13 в. -Данте Алигьери; 14 в. -Франческо Петрарка и Джованни Боккаччо; 15 в. -Микеланджело Буонарроти и Рафаэль Санти). Для итальянцев Ренессанс стал возрождением своих собственных традиций, своего собственного культурного наследия. Однако история итальянского театрального Возрождения весьма парадоксальна: итальянский Ренессанс, с его непревзойденными шедеврами изобразительных искусств - живописи, скульптуры - не дал ни одного драматурга, равного по масштабам творчества Шекспиру (Англия), Лопе де Вега или Кальдерону (Испания). В культурологической и искусствоведческой литературе широко исследовались причины этого парадокса. Основными из них принято считать две - во многом взаимосвязанные.

Первая объясняет это явление с точки зрения видовых особенностей театра. В основе театрального действа всегда лежит конфликт - принципиальная движущая сила театрального произведения, как пьесы, так и спектакля. Однако понятие конфликта само по себе противоречит мировоззренческим идеалам гармонии, мощно звучащим в итальянской литературе и изобразительном искусстве.

Вторая причина основывается на принципах социального функционирования театрального искусства. Для его расцвета необходима некая идея, объединяющая разные слои общества, национальное самосознание, т.н. «широкий народный фон». Однако в 14-15 вв. итальянцы чувствовали себя скорее гражданами отдельных городов, чем всей страны.

И все же здесь, именно в Италии, были заложены основы нового гуманистического театра: возрождены комедия, трагедия, пастораль; создана опера; построены первые театральные здания; разработаны принципы профессионального сценического и площадного театра, дан толчок к теоретическому осмыслению драматургических канонов.

Развитие ренессансного итальянского театра в основном шло по двум линиям: т.н. «ученой комедии» - la commedia erudite (к этой же линии с некоторой натяжкой можно отнести и литературную трагедию) и народного импровизационного театра -Комедия дель арте, оказавшей огромное влияние на развитие всего мирового театрального искусства.

Итальянская «ученая комедия», к созданию которой обращались крупные писатели и мыслители 15-16 вв Лудовико Ариосто, Никколо Макиавелли, Пьетро Аретино, Джордано Бруно), представляла собой преимущественно догматические перепевы античных сюжетов и была рассчитана скорее на академический интерес узкого круга ученых и просветителей. Те же тенденции свойственны и итальянской ренессансной трагедии (Джан-Джорджо Триссино, Джованни Ручеллан, Луиджи Аламанка, Торквато Тассо и др.). К концу 16 в. развитие итальянской ренессансной комедии и трагедии практически завершилось. Зато к этому времени окреп и получил большую популярность третий жанр итальянской драматургии - пастораль.

Самой же яркой страницей итальянского Возрождения был тогда и остается импровизационный уличный театр масок - комедия дель арте, по сути, сформировавший первый в истории профессиональный театр.

 

17. Здание театра и устройство сцены в Италии эпохи Возрождения.
Поначалу в Италии любые театральные постановки осуществлялись силами любителей и имели эпизодический характер.
По этой причине потребности в стационарных театральных зданиях не было. Спектакли показывали, как правило, в дворцовых садах, для чего сооружали временную сцену для актеров и амфитеатр для зрителей.

Оформление же дворцовых спектаклей было весьма пышным. Для этих целœей приглашали знаменитых художников, среди которых можно назвать Леонардо да Винчи, Рафаэля, Мантеньи и Брунеллески. В средневековом театре декорации на сцене устанавливались в одну прямую линию, т. е. одна за другой. В театре эпохи Возрождения эта система была заменена установкой декораций с использованием законов перспективы.

Поскольку наиболее часто устраивались театральные спектакли в Ферраре, первое театральное здание было построено именно в данном городе в 1528 году. В Италии сохранилось много развалин древних римских театров. В связи с этим планировка новых театров выполнялась с учетом опыта древних строителей. Архитектор Серлио издал книгу, в которой объединил принципы античного устройства театра и современных ему требований. Его театр был разделœен на три части˸ зрительный зал, пространство перед сценой и сцена. Половину зала занимал амфитеатр.
Его ряды были расположены со строгим соблюдением рангов и чинов. Средняя часть зала - ϶ᴛᴏ полукруглая орхестра древнеримского типа и пустующее пространство по всœей линии просцениума. Амфитеатр был отдален от сцены для того, чтобы у зрителœей создавалась оптическая иллюзия. Для этого же пространство сцены было разделœено на две части˸ просцениум и задняя сцена. Весь спектакль проходил на просцениуме, а задняя сцена была предназначена для декораций. По обеим сторонам сцены были расположены макеты зданий, постепенно уменьшающиеся в размере. Это создавало иллюзию перспективно удаляющейся улицы. Объемные декорации сливались с задником, изображающим продолжение улицы, данное в перспективе.

Но театральное искусство не стояло на месте. Его дальнейшее развитие требовало использования задней части сцены и смены декораций. В 80-е годы XVI века художник Бернардо Буонталенти установил по обе стороны сцены вращающиеся трехгранные призмы, изготовленные из деревянных рам, обтянутых холстом. Эти призмы назывались телариями. На каждой из сторон телария были нарисованы части разных декораций, которые были выполнены с учетом перспективы. Служители поворачивали одновременно теларии и задник сцены. Это давало возможность сменить декорации почти мгновенно.

Впоследствии громоздкие теларии были заменены плоскими кулисами. Декорации стали писать на холсте, который был натянут на раму. Такие перемены были необходимы в пасторали, но больше всего в опере. Эти два жанра потребовали довольно значительного усложнения сценической техники, т. е. при постановке спектаклей использовались световые и пиротехнические эффекты. Среди прочих в театре показывали полеты богов, волшебные колесницы, провалы в подземное царство, пожары, наводнения и другие стихийные бедствия.

С течением времени изменялась не только сцена и ее оборудование, менялся и зрительный зал. Уже с начала XVII века театры перешли в руки предпринимателей. В связи с этим хозяевам театров выгодно было пропускать как можно больше зрителей. По этой причине в зрительных залах места для публики стали располагать ярусами. Зрительно это выглядело так, как будто наклонная линия амфитеатра выпрямилась и образовала многоэтажные ложи и балконы. Естественно, что количество зрительских мест намного увеличилось. Качество мест для публики стало разным и соответствовало ценам на билеты. В случае если раньше зрители располагались в театре согласно сословному и ранговому принципу, то теперь они стали размещаться по коммерческому принципу.

 

18. Комедия дель арте. Общая характеристика и значение.
Другое название – комедия масок, – импровизационный <



2016-01-26 2811 Обсуждений (0)
Общая характеристика античной комедии. Аристофан 0.00 из 5.00 0 оценок









Обсуждение в статье: Общая характеристика античной комедии. Аристофан

Обсуждений еще не было, будьте первым... ↓↓↓

Отправить сообщение

Популярное:
Генезис конфликтологии как науки в древней Греции: Для уяснения предыстории конфликтологии существенное значение имеет обращение к античной...
Как распознать напряжение: Говоря о мышечном напряжении, мы в первую очередь имеем в виду мускулы, прикрепленные к костям ...



©2015-2020 megaobuchalka.ru Все материалы представленные на сайте исключительно с целью ознакомления читателями и не преследуют коммерческих целей или нарушение авторских прав. (2811)

Почему 1285321 студент выбрали МегаОбучалку...

Система поиска информации

Мобильная версия сайта

Удобная навигация

Нет шокирующей рекламы



(0.022 сек.)