Поздний период творчества

В позднийпериод творчества Моне по-прежнему уделял много внимания выразительной способно­сти цвета, ставшего основным средством его худо­жественного языка. Поздние картины теряют сюжет­ность, тяготеют к беспредметности.

Сад в Живерни, по признанию самого Моне, является лучшим произведением в его творче­стве. Многочисленные виды и сорта цветов были подобраны и высажены так, чтобы он постоянно цвел, радуя глаз разнообразием оттенков. Прекрасныйсад становится объектом живописи, словно отражаясь на холсте. Композиция работы «Сад ирисов в Живерни»(1899—1900, Художественная галерея Йельского университета) проста: на холсте квадратного формата изображена убегающая в даль сада дорожка, полускрытая разросшимися кустами ирисов, над ней — уходящие перспективой стволы садовых деревцев. Нежные цветы ирисов на переднем плане тины словно заглядывают нам в глаза. Красота природы становится величайшим чудом и, видимо, венцом божественных творений дляМоне (в отличие от ренессансного «Человек — венец творений»). Поэто­му она является самодостаточным объектом живопи­си, не требующим включения в пейзаж человеческих фигур.

В 1899 художник приступил к созданию серии «Кувшинки», изображающей водяные лилии (ненюфары) в пруду его сада в Живерни. Серийность работ основана на варьировании мотива при меняю­щемся освещении. Кувшинки владели помыслами ху­дожника более двадцати лет, до самой смерти.

В картине «Пруд с ненюфарами» (1908, част­ное собрание, Санкт-Галлен, Швейцария) Моне выбрал квадратный формат полотна, зрительно «увеличивающий» изображение в пространстве и создающий впечатление бесконечности. Худож­ник написал крупным планом «фрагмент» пруда, в кадр вошла только гладь воды с живописно разбросанными листьями, цветами кувшине и отражением облаков. Мастер отошел от перспективного построения, из-за чего кувшинки правом верхнем углу композиции кажутся расположенными выше, чем растения переднего плана картины. Работа утрачивает глубину и разворачивается на плоскости, тяготея к декоративности.

В 1900—1904 Клод Моне неоднократно бывал в Англии, он любил Лондон за неповторимую туманную атмосферу. Здесь живописец много раз писал здание парламента, создав целую серию работ на эту тему. «Здание парламента в Лондо­не» (1904, музей д'Орсе, Париж) словно окутано густым туманом, сквозь который проступают ве­личественные очертания неоготической архитек­туры, и пробивается желто-рыжее солнце, окра­шивающее Темзу рыжевато-багровыми блика­ми. Мосты, река, парламент, чайки, лодки на воде лишь угадываются своими неясными силуэтами, они наплывают из сизой дымки или тают, лишаясь всякой материальности и превращаясь в мистические видения. Утратили свою материальность красочные мазки, превратив каждую картину в мираж, чему способствовала как бы плывущая гамма красок. В ней преобладали тёмно-синие, голубые, фиолетовые, серебристо-сиреневые тона с вкраплениями бирюзовых, оранжевых, а иногда и красных.

Живопись условна, художник изображает не конкретные детали, а именно сиюминутный об­раз города, каким он его увидел. Импрессионизм Моне не передает объективной реальности, не признает неизменности качеств предметов. Их цвет, а также очертания зависят от света — едва пробивающегося, заливающего всю окрестность или гаснущего, переходящего в сумерки.

Поздние произведения Моне находятся на гра­ни предметного и беспредметного искусства. В «Японском мостике» (1918—1924, Институт ис­кусств, Миннеаполис) читаются очертания любимого мостика, перекинутого через пруд с кувшинками и уви­того глициниями. И это, пожалуй, единственное, что можно «идентифицировать» в сумасбродстве красок, не считая невысокого куста на переднем плане карти­ны и вертикали дерева у правого края. Здесь достаточ­но охватить композицию в целом, не дробя на части, чтобы увидеть ее глазами художника: буйство красок, полнота жизни, красота.

Клод Моне умер в своем доме в Живерни в декабре 1926.

III . ПЬЕР ОГЮСТ РЕНУАР

Впечатление жизни»

Один из самых видных представите­лей импрессионизма — Огюст Ренуар (1841— 1919), искусство которого отличается живым интересом к человеку. Художник работал над развитием живого, красочного художественного стиля с «перистым мазком» (известным как радужный стиль Ренуара)[5]; создал множество чувственных ню («Купальщицы»). Более всего Ренуар любил писать детские и юношеские образы и мирные сцены парижской жизни. Для его творчества характерны светлые и прозрачные по живописи пейзажи, портреты, воспевающие чувственную красоту и радость бытия. Значительное место в его светлом жизнеутверждающем творчестве зани­мает портрет, а также жанровые композиции, чаще всего раскрывающие образы французских женщин.

Сын бедного портного, Ренуар с юности начал свою трудовую жизнь, занимаясь росписями по фарфору. На заработанные деньги он поступил учиться в мастерскую Глейра, где сблизился с К. Моне и А. Сислеем. Ранние картины Ренуара носят следы воздействия мощной светотеневой лепки Курбе — такова «Харчевня матушки Антони» (1866, Стокгольм, Национальный музей).

Ренуар часто работал вместе с Клодом Моне. Они писали одни и те же пейзажи, наблюдали за тенью и све­том в природе и изучали возможности цвета в передаче этих эффектов. Так родились знаменитые «Лягушатни­ки» — одноименные работы художников. Плавучее кафе с веселящейся публикой, деревянные лодки, ожидаю­щие пассажиров, — вот их нехитрый сюжет. Живописец, оптимист по натуре, через все творчество пронес любовь к изображению праздника жизни, гуляющих или отды­хающих дам и кавалеров. Он старался не замечать тем­ных сторон бытия и считал, что искусство должно дарить прекрасные мгновения наслаждения, а не служить назида­нием или скучным поучением.

В «Лягушатнике» (1869, Национальный музей, Сток­гольм) нет выверенной композиции, поэтому он кажется эскизом, а не законченным произведением, кадрировка сцены выглядит случайной. Она и была в известной степени случайной, то есть именно такой, какой эту сену увидел художник: не усложненной продумыванием композиции, построением перспективы, уравновешиванием планов. Ренуар преследовал совсем другую задачу — успеть передать атмосферу беззаботности и веселья теплого летнего дня, поймать блики на воде, солнечные рефлексы на светлых платьях дам. Живописцу нужно бы пить в очень короткое время, так они с Моне выработали свою технику письма широкими быстрыми мазками, обозначавшими фигуры людей и окружающую обстановку, но не выписывавшими детали. Эта недосказанность живописи не нравилась публике, а небрежность художественной манеры вызывала нарекания.

В 1870-е гг. живопись Ренуара становится более пленэрной, световоздушная среда объединяет пейзаж и фигуры людей в многочисленных жан­ровых сценах, овеянных настроениями созерца­тельности, беззаботности, спокойствия. Он пере­дает веселое оживление, увлеченность танцую­щих пар в картине «Бал в Мулен де ла Галет» (1876, Му­зей д'Орсе, Париж), выделяя фигуры переднего пла­на острой выразительностью движений. Образ человека лишен у Ренуара сложной психоло­гической характеристики, глубины раскрытия внутреннего мира, но в нем — живая непосредственность, обаяние, жизнерадостность.

Большая картина «Бал в Мулен де ла Галетт» написана на парижском холме Мон­мартре, где в то время еще сохранились три деревянные мельницы, в одной из которых открыли ресторан «Мулен де ла Галетт». Здесь устраивались танцы, собиравшие разношерстную парижскую публику, в том числе и художников. Блики света кажутся пляшущими на дамских платьях и костюмах мужчин.

У Ренуара образы, окутанные светом, появляются как ре­зультат неуловимого колдов­ства и готовы в любой момент исчезнуть. Картина «Бал в «Мулен де ла Галетт» далека от описательности; изобра­женные фигуры не являются портретами, хотя они написа­ны с реальных людей — само­го Ренуара и его друзей. Глав­ное в картине — это вихри света, цвета, воздуха. Жизнь как реальная данность заменя­ется впечатлением жизни, пьянящим светозарным очаро­ванием, которое мгновение спустя растворяется в неопре­деленности. Жизнь, человек как таковой исчезают в волнах света, радужных многоцвет­ных брызгах.

Картина Рену­ара — это праздник жизни, беззаботной молодости, не­обыкновенно радостной и светлой. Она являет собой своеобразный документ эпохи: здесь запечатлены па­рижский уголок, увеселения танцующих людей среднего класса. Ренуар посвятил большое полотно повседневно­му сюжету, что было непривычно длятого времени.

Для картин 1870-х гг. характерен интерес О.Ренуара к выразительной, как бы случайно подсмотренной жизненной ситуации и обращение его в связи с этим к композиционному приему срезывания рамой персонажей картины. Полотна О.Ренуара созерцательные, лишены резких контрастов, нервной динамики и неожиданных ракурсов.

Атмосферой полного покоя и непринужденного движения отмечено известное полотно художника «Завтрак гребцов» (1881, Национальная галерея искусств, собрание Филипса, Вашингтон), на котором особенно выделяется очаровательная фигура молодой кокетливой женщины с собачкой на руках, будущей жены художника.

Вот весёлая, шумная компания, здесь все свои: друзья-художники, их модели и подруги, будущие жёны, актрисы, спортсмены. Обычная и привычная атмосфера улыбок, шуток и бесконечного флирта. Заросший берег, терраса любимого ресторана, на балюстраду которой опирается хорошенькая Альфонсина Фурнез, приятными собеседниками окружила себя актриса Элен Андре. А слева забавляется с лохматым пёсиком, тиская, словно игрушку, и разговаривая с ним, прелестная Алин в украшенной цветами соломенной шляпке. В эту белокурую с дивным цветом лица девушку успел без памяти влюбится Ренуар. Лёгкая и очень живая жанровая сценка: Ренуар уверенно закрепил на полотне мимику, жесты и позы героев. Справа на первом плане раскачивается верхом на стуле в майке гребца и канотье Гюстав Кайботт. Картина привела в полный восторг даже тех, кто не стал её героем. Она стала одним из наивысших достижений в его творчестве.