Модест Петрович Мусоргский «Картинки с выставки»

"Не музыки надо нам, не слов,не палитры и не резца... мыслиживые подайте, живую беседу с людьмиведите какой бы сюжет вы ни избрали для беседы..."

Из письма М.П.Мусоргского

В.В.Стасову от 23 ноября 1875г.(1.4)

Первым большим законченным произведением после оперы «Борис Годунов» были «Картинки с выставки». Это стало новой страницей в творчестве не только самого Мусоргского, но и в фортепианной программной музыке его времени.

В трудной жизни Мусоргского редким островком чистой радости и полного упоения творчеством стал июнь 1874 года.

В это время 35-ти летний композитор создал произведение поистине уникальное в мировой музыкальной литературе - фортепианную сюиту «Картинки с выставки».

Название точно соответствует содержанию «Картинки» написаны Мусоргским под впечатлением посмертной выставки художника и архитектора В.К.Гартмана.

Гартман был человеком живым, легким в общении, увлекающимся. С Мусоргским Гартмана связывали теплая дружба и взаимное уважение. Поэтому страшная весть о скоропостижной смерти друга в 1873 году потрясла Модеста Петровича.

Свое произведение, рожденное под впечатлением выставки в память о друге, Мусоргский первоначально озаглавил «Гартман».

Устроители на выставке собрали картины, акварели, архитектурные проекты, эскизы театральных декораций и костюмов, рисунков с натуры, а также художественные изделия - например, каменные часы в русском стиле в виде избушки на курьих ножках, щипцы для раскалывания орехов. Здесь представлены были жанровые сцены и типы, нарисованные Гартманом в годы его путешествий по Италии, Франции и Польше, а также заимствованные из русской национальной поэзии и жизни. Из них 10 произведений Мусоргский переложил на язык музыки, которые составили преоригинальную сюиту - чередование картинных зарисовок.

«Картинки с выставки» были созданы им на взлете вдохновения и в необычайно короткий срок - за 3 недели июня 1874 года. Во время работы он сообщает Стасову: «Мой дорогой generallissime, Гартман кипит как кипел «Борис, - звуки и мысль в воздухе повисли, глотаю и объедаюсь, едва успеваю царапать на бумаге. Хочу скорее и надёжнее сделать ... До сих пор считаю удачным». Это признание удачи особенно ценно, потому что автор всегда был до придирчивости строг к себе.

Он очень вольно подошёл к истолкованию отдельных произведений Гартмана. Взяв за основу отдельного номера сюиты сюжет того или иного рисунка, эскиза или макета, он предоставлял затем полную свободу своей фантазии. Так выросла целая серия музыкальных зарисовок. Сюда вошли картинки быта и природы, портреты, комические и даже сказочные сценки.Особое место отведено в «Картинках с выставки» изображению фантастического. Один из фантастических образов «Гном» представляет собой в творчестве Мусоргского совершенно новый образ. Это не бытовая изобразительность и не народная сказочность, а поэтический вымысел, мир творческого воображения. (У Гартмана - это всего-навсего детская ёлочная игрушка, изображающая кривоногого безобразного карлика). Причудливые изломы мелодии, судорожный ритм передают ужимки этого смешного, уродливого человека. Но иногда всё-таки прорываются интонации жалобы, стона, это заставляет нас посочувствовать гному, этому обездоленному существу, его затаённому горю.Мусоргский как волшебник оживляет фигурку, отталкиваясь от гротескности к экспрессивности персонажа. Для воплощения фантастического портрета в музыке композитор выбирает музыкальные краски с удивительной точностью. Кажется, что гном затаился и осторожно перебегает с места на место. Он топчется на месте, спотыкается, его маленькие кривые ножки заплетаются. Он то чего - то боится, то начинает охать, стонать, жаловаться, то опять бежит без оглядки.

Тема: «Симфонический оркестр».

Вот посмотри, как выглядит симфонический оркестр на сцене. Каких только инструментов здесь нет! Тебе, наверное, показалось, что расположились они на сцене как кому вздумается: кто в углу, кто впереди, а кто где-то в сторонке. Но вглядись повнимательнее и ты увидишь, что инструменты в оркестре распределены в строгом порядке.

Впереди расположены скрипки и их родственники — альты, виолончели. Чуть поодаль стоят контрабасы. Все эти инструменты составляют одно семейство -Струнных смычковых.

Сразу за виолончелями расположилось семейство Деревянных духовых— флейты, кларнеты, гобои, фаготы.

Справа от них разместились ближайшие их родственники Медные духовые— трубы, валторны, тромбоны и тубы. За ними барабаны и еще много разных инструментов, относящихся к семейству Ударных музыкальных инструментов.

А еще внимание привлекают два инструмента. Это арфа и рояль. Это не постоянные жители оркестра. Нередко в оркестре можно встретить и челесту.

Оркестр, как хорошо организованное государство, имеет свои законы, и даже есть у него президент — управляющий оркестром, которого называют дирижером.

Дирижер умеет заставлять инструменты играть так, как он этого хочет, хотя при этом не произносит ни одного слова. Он пользуется только палочкой. Поднимет ее, стукнет легонечко о подставку для нот — пюпитр — и... в оркестре воцаряется мертвая тишина. Взмахнет ею, и все инструменты, подчиняясь его воле, заиграют согласно и дружно.

 

.Группа струнных – смычковых инструментов.

В оркестре они размещены на переднем плане: слева от дирижера первые скрипки, справа — вторые, сразу за первыми скрипками виолончели и рядом с ними альты.

Лишь контрабасы из-за своей величины стоят у стены, чтобы не загораживать другие инструменты и не мешать им.

В семействе Смычковых, которое играет в симфоническом оркестре наиболее важное значение, четыре представителя.

Самые главные среди них скрипки — быстрые, живые, а еще великолепные рассказчицы.

Им вторят и помогают альты. Вообще альты по характеру своему очень общительные. Они любят всем в оркестре помогать. Особенно благоволят они к семейству деревянных духовых.

Это очень древнее семейство. Когда появились на свет первые представители его, даже установить трудно. Может быть, 800 лет назад, может быть, 600 или 400... Во всяком случае, оно существует не одну сотню лет. История скрипки очень интересна.Скрипка - самый распространённый струнный смычковый инструмент. Её часто называют королевой инструментов. Значение скрипки понимали ещё в XVII в. и говорили: «Она в музыке является столь же необходимым инструментом, как в человеческом бытии хлеб насущный».

«Стенки» скрипки называют деками. На верхней расположены отверстия в форме буквы f - эфы. Струны натягивают на грифе при помощи колков. В середине корпуса на двух ножках стоит подставка, которая поддерживает четыре струны. Они носят названия тех звуков, на которые настроены: ми, ля, ре и соль. Диапазон скрипки от соль малой октавы до соль четвёртой. Высоту звука можно изменять, прижимая струну к грифу.

Конечно, вы знаете, что для удобства скрипку кладут на плечо и прижимают её подбородком. Играют на скрипке смычком, от которого во многом зависит характер звучания. Смычок состоит из трости и натянутого на неё конского волоса. Значение смычка очень велико. Ведь если просто ущипнуть струну, звук быстро угаснет. А смычок можно вести по струне долго, и звук тогда тоже будет тянуться долго. Отсюда удивительная напевность скрипки.

Посмотрите внимательно на скрипку. А теперь представьте себя самого. Похожа скрипка на человека? Правда, похожа. Кстати, даже детали её имеют похожие названия: головка, шейка, какие плавные у неё закругления, какая тонкая «талия». Вот видите, как интересно. Когда-то давно человек создал совершеннейшее из своих созданий - скрипку и сделал её похожей на совершеннейшее создание природы - самого себя.

А ещё научил её петь, как умеет петь трепетный человеческий голос. Но она умеет не только петь. Есть много способов игры на скрипке. Их называют штрихами. Можно одновременно играть на двух соседних струнах, тогда звучат две мелодии. Больше чем два звука на скрипке не сыграешь, потому что струны расположены на закруглённой подставке. Но можно особым приёмом - арпеджиато - извлекать на ней и аккорды. Тогда звуки берутся не одновременно, а один за другим, скользнув по струнам смычком. Иногда скрипачи играют не смычком, а щипком пальцев. Такой приём называется пиццикато.

Уже с самого своего появления Смычковые, а особенно скрипки, приобрели многочисленных поклонников и завоевали большую любовь. Скрипки играли и во дворцах королей и на деревенских праздниках и везде пользовались одинаково большим успехом.

Альт тоже часто называют скрипкой, только побольше. Если судить по его внешнему виду, то это так. Но он имеет свой характерный тембр. Словом «альт» называют низкий детский голос. Самый низкий женский голос, контральто, раньше тоже называли альтом. Потом это название перешло к одному из струнных инструментов. Наверное, потому что тембр его похож на контральто - мягкий, грудной, выразительный.

Я хочу привести вам слова замечательного альтиста Юрия Башмета из его книги «Вокзал мечты». Этот музыкант всю свою жизнь посвятил тому, чтобы альт стал популярным сольным инструментом. Как образно, как о живом существе, говорит он о родном инструменте: «Альт больше скрипки по размерам. Он крупнее, массивнее, но... Он ведь и старше скрипки, древнее. По-итальянски альт называется «виолой», а скрипка – «виолино», то есть «маленькая виола». Можно сказать, что скрипка – усовершенствованный потомок альта.

Альт гораздо глуше скрипки, звучание его направлено как бы внутрь себя, слабее резонирует, даже гнусавит. Но зато его звук - теплее, объёмнее, а в смысле виртуозности альт почти так же совершенен, как скрипка»

 

А вот виолончель. Виолончель не так скромна, как альт. Она знает, что голос у нее очень красивый. Она умеет так проникновенно петь, что слезы невольно навертываются на глаза...

Последний представитель смычковых — огромный контрабас.

Появился на свет он гораздо позже, чем скрипка, альт и виолончель. Голос у него скрипучий и тусклый, речь медлительна и благоразумна. Контрабас во всем соответствует своему виду.

Смычковые самые богатые по разнообразию звучания. Но сила звука у каждого из инструментов невелика, и именно поэтому в оркестре их больше всех.

 

 

Деревянные духовые инструменты – самые древние наряду с барабаном и некоторыми другими ударными. На многих сюжетах пасторали, картинках древности можно увидеть всевозможные дудочки и свирели, на которых играли наши предки.

Материал был под рукой. Камышовые тростинки, бамбук и другие веточки служили основой будущих свирелей. Кто и когда догадался проделать в них дырочки, никому не известно. Однако, духовые инструменты, сделанные из подручных материалов, навсегда заняли место в сердцах людей. Люди поняли, что по мере увеличения ствола меняется высота звука, и это понимание послужило толчком к усовершенствованию инструментов. Постепенно они менялись, пока не преобразовались в современные деревянные духовые инструменты.

По сей день, музыканты любовно называют эти инструменты «деревом» или «деревяшками», хотя этим названием уже давно перестал отражаться материал, из которого их изготавливают.

Чудесная трубочка, не простая дудочка,

Бывает золотой, фарфоровой, костяной,

Изумительно поёт, всех в концертный зал зовёт. (………………….)

 

Французы музыкальный инструмент высоким деревом давным–давно прозвали.

Задумчивей его в оркестре нет, за нежный голос инструменту имя дали,

А был простым пастушеским, рожком пел песни он когда–то над лужком. (………………..)

Это что за инструмент? Ясно музыка звучала,

В чёрный фрак всегда одет, пуговицы из металла.

Есть на нём утиный клюв, может птицей прокричать.

Но запомни: не подув, музыку нельзя сыграть!

 

 

Голос чистый, голос ясный, ты запомнил или нет?

Этот инструмент прекрасный называется…

Деревянный духовой, не кларнет и не гобой,

Низким голосом поёт, называется…

Группа медных духовых инструментов.

Эту группу инструментов трудно не заметить и не услышать. От блеска инструментов больно глазам, а от их голосов звенит в ушах. Еще бы, они все сделаны из металла! Они громогласны, бесцеремонны, мало слушают, что говорят другие, хотят, чтобы слушали только их звонкие голоса.Все медные инструменты - это изогнутые металлические трубы, заканчивающиеся расширенным раструбом (воронкой). Название совсем не означает, что сделаны они из меди. Состав металла очень сложный, поэтому и звук у них громкий, звонкий.

Сядем в машину времени и отправимся в Древнюю Грецию на Олимпийские игры. Это было более двух тысяч лет назад. Огромный стадион вмещает несколько тысяч зрителей. Микрофонов, усилителей, динамиков тогда не было, а о начале игр как-то нужно возвестить. Шум толпы перекрывает призывное звучание фанфар. И сейчас в начале парадов звучат фанфары.

Труба - самый сильный по звучанию музыкальный инструмент симфонического оркестра, ее главное предназначение - музыка героического, торжественного характера (показать изображение трубы).

Валторна - ее предок - лесной (охотничий) рог, известен с XII века, когда его использовали для сигналов во время охоты.

Для того, чтобы звук охотничьего рога был слышен на большом расстоянии, рог стали удлинять, а чтобы играть было удобно, его приспособились «скручивать» (так же, как «сложили» фагот). Звук валторны глубокий, напевный, его таинственный тембр композиторы используют, когда нужно изобразить эхо.

А это что за чудо? Представьте себе инструмент, в котором музыкант не нажимает ни на кнопки, ни на клавиши, ни на вентили. Левой рукой музыкант держит инструмент, а правой выдвигает и задвигает изогнутую трубку. Называется трубка кулисой. Именно ее движение меняет высоту звука. Представляете, как трудно запомнить, где какой звук?

Это тромбон - родственник трубы, известен он с XV века.

Звучит тромбон очень мощно, поэтому ему поручают музыку мужественного, сурового характера, а в нижнем регистре даже зловещую.

Самый большой из инструментов медной группы, с самым низким голосом - туба. «Бывают люди - большие, медлительные, неуклюжие. Все с улыбкой смотрят на них. Однако в трудный час на этих людей можно положиться: они обладают силой, добротой, стойкостью и способны на подлинный героизм и благородство. Так и туба. Большая, неповоротливая, с низким голосом, туба несколько смешна, когда звучит одна. Но когда играет весь оркестр - все ищут опоры в тубе».

Группа ударных инструментов.

Десятки тысяч лет назад человек взял в обе руки по камню и начал стучать ими друг о друга. Так появился первый ударный инструмент. Это примитивное приспособление, которое еще не могло дать музыки, но уже могло произвести ритм, сохранилось в быту у некоторых народов до наших дней: например, у аборигенов Австралии и сейчас два обыкновенных камня играют роль ударного инструмента. Ударные гораздо старше всех остальных инструментов: почти все исследователи сходятся во мнении, что инструментальная музыка началась с ритма, а потом уже возникла мелодия. Эту большую, пеструю, разнохарактерную группу объединяет общий способ извлечения звука – удар по натянутой коже, металлическим пластинкам или деревянным брускам. Их главное назначение – подчеркивать ритм, усиливать общую звучность оркестра, дополнять и украшать ее различными звуковыми эффектами. Кроме того, ударные принято делить на две большие группы.

К первой относятся те ударные инструменты, которые имеют настройку. Это литавры, колокольчики, колокола, ксилофон и др. На них можно сыграть мелодию.

Ко второй группе относятся инструменты, не имеющие определенной высоты звука. Это большой и малый барабаны, тарелки, треугольник, кастаньеты, маракасы, трещотки и другие. Они не имеют точной высоты звучания и поэтому не могут сыграть мелодию. Зато им доступны сложнейшие ритмические партии.

А сейчас мы познакомимся с отдельными инструментами этой группы.

Литавры – очень древние музыкальные инструменты. Они представляют собой медные котлы, отверстие которых обтянуто кожей. Ударяют по ним специальными палочками с мягкими наконечниками. Посредством винтов и зажимов, натягивающих кожу, литавра настраивается на определенную высоту звука. У литавр огромные выразительные возможности: от подражания раскатам грома, до тихого, еле уловимого шороха или гула.

Барабан – один из самых распространенных инструментов. Две разновидности барабана – большой и малый – уже давно входят в состав симфонического оркестра. Большой барабан звучит мощно. Его голос напоминает раскаты грома или пушечные выстрелы. Поэтому его часто используют в изобразительных целях. Малый барабан имеет сухой, отчетливый звук. Его дробь хорошо подчеркивает ритм, иногда оживляет музыку, иногда вносит тревогу. Играют на нем двумя палочками.

Тарелки - Не правда ли, странное название для музыкального инструмента? И тем не менее, тарелки -- плоские металлические пластинки -- один из самых распространенных ударных инструментов. В оркестре бывает обычно пара тарелок (поэтому, как и литавры, называются они во множественном числе). Звук извлекается ударом тарелок друг о друга, ударом по тарелке палочкой от барабана или литавр, ударом металлической метелкой. Звук тарелок, в зависимости от способа и силы удара, может получиться самый разнообразный, от звонкого, пронзительного, до еле слышного.

Тема: «Музыка – душа танца».

Сегодня я расскажу вам о чуде. О чуде, которое живет с нами рядом. Его нельзя потрогать рукой, но можно услышать и увидеть. Оно способно заставить нас смеяться и плакать. Чудо рождается и живет в одном, полном таинственности и необыкновенных превращений месте. И зовется оно ТЕАТРОМ. А чудо? Это – спектакль, сотканный из музыки и танца. И носит он красивое и звучное название – БАЛЕТ.

Я расскажу вам, как и кем создается балетный спектакль. Мы пойдем с вами по светлым, пахнущим красками мастерским, где пишут декорации. Зайдем в цеха, где под стук швейных машин в руках настоящих волшебниц простая ткань превращается в сказочно прекрасные платья и костюмы. Побываем там, где делают балетные туфли. Заглянем тихонечко, чтобы не мешать, в репетиционные залы, где занимаются артисты. Миновав лабиринт кулис, наконец, окажемся в зрительном зале.

Наше путешествие будет полно неожиданностей, поэтому приготовьтесь к самому невероятному и смело ступайте за мной в Страну Балета!

Каждый человек знает, когда он родился. Знаете и вы день своего рождения. Но никто не знает места и времени рождения танца. Может быть, оттого что это было очень давно? Так давно, что на свете е было не только ваших бабушек и дедушек, но и даже их прабабушек и прадедушек.

Много тысяч лет назад, когда по Земле бродили неведомые нам звери и люди жили племенами, возник ТАНЕЦ. Под резкие удары барабанов, звон копий и воинственные крики наши далекие предки плясали вокруг костра. Шло время, менялся облик Земли, но танцу всегда и во всем отводилось почетное место. Издавна славились своим умением и русские плясуны – скоморохи. Замечательно плясали они, пели звонко, на разных инструментах играли. И на пирах у русских князей, и на народных гуляньях были желанными гостями.

Но, знакомясь с танцем и его историей, вы можете меня спросить: «А разве танец и балет – это одно и то же?» Нет, конечно же, нет.

Танцевальное искусство лишь часть балета, главная, но все-таки часть. Поэтому в поисках балета нам надо перенестись во времена великих событий.

В 1851 году в Париже хореограф Бальтазарини, итальянец по происхождению, поставил «Комедийный балет Королевы». Это представление приятно считать первым балетным спектаклем. Но не удивляйтесь его названию. Оно совсем не означает, что балет должен был смешить публику. Просто в те времена словами «комедийный» или «комедия» называли «спектакль с определенным сюжетом».

Чего только не происходило в этом спектакле! С неба спускалось облако с богом Юпитером; по залу проезжала золотая колесница с драконом в упряжке; бил десятками струй многоярусный фонтан с морскими чудовищами; на глазах у публики волшебница превращала людей в собаку, слона, игра.

В спектакле актеры не только танцевали, но и пели, читали стихи. До балета, каким мы его сегодня знаем, было еще далеко.

Прошло почти два века с момента постанови «Комедийного балета Королевы», прежде чем танец стал главным в балетном спектакле. Только тогда и родился на свет настоящий балет – самостоятельный и оригинальный вид театрального искусства. Танец в таком спектакле уже не нуждался в помощи слова или пения. Он мог сам через движение, жест раскрыть не только сюжет произведения, но и выразить мысли, чувства героев.

КТО СОЧИНЯЕТ БАЛЕТ?

Всем хорошо известно, что автором музыки является композитор, картину пишет художник, сказку, рассказ – писатель. А как же быть с балетным спектаклем, который соединяет в себе хореографию, музыку, литературу, живопись, мастерство актера?

За каждым из этих искусств стоят реальные люди различных профессий. Кто же из них главный? Кого считать автором балетного спектакля? Чтобы ответить на этот вопрос, давайте познакомимся с теми, кто участвует в создании балета с самого начала.

ПИСАТЕЛЬ

Приготовьтесь к неожиданному и не удивляйтесь. Прежде всего мы познакомим вас с писателем. Пусть он будет сказочником, хорошо? Предположим, живет замечательный человек, который любит театр, музыку, но главное его занятие – это сочинение сказок для взрослых и детей. Он умеет видеть невероятное волшебное в самых простых и, казалось бы, ничем не примечательных событиях и предметах. Чтобы встретиться с чудесами, героями его удивительных сказок, не нужно отправляться за тридевять земель, в тридесятое царство. Открываете книгу, написанную писателем, и чудеса происходят в вашем доме. Читая книгу, вы можете попасть в прекрасную страну, где среди леденцовых полей текут апельсиновые ручьи и лимонадные реки, где высятся ома и замки из сахара и шоколада, где оживают куклы, а люди, наоборот, могут превратиться в зверей и птиц.

Но не всегда писатель пишет свои замечательные истории специально для балета. Для того чтобы сказка ожила в балете, мало просто ее написать. Потребуется умение и труд многих людей.

ЛИБРЕТТИСТ

Первым среди них является человек, чья профессия вряд ли всем известна, - это либреттист. Чем же он занимается? А вот послушайте. Либреттист должен написать литературный план будущего спектакля – либретто.

В переводе с итальянского «либретто» значит «книжечка», «краткое содержание». Такая работа, как коротко пересказать сказку, на первый взгляд, может показаться простой и незатейливой. Но не торопитесь с выводами, давайте вместе поразмышляем. Представьте – перед вам книга. Она может рассказать обо всем на свете. Здесь и описание мест, где происходят события, и интересные подробности, с ними связанные, и герои, и многое-многое другое. Книгу можно читать и день, и два, а можно и целую неделю, словом, как захочется. В театре же – совсем иное дело! Спектакль длится 2-3 часа. Разве тут успеешь сыграть все содержание книги от первой до последней страницы? Такое представление длилось бы долгие часы. Но дело даже не во времени, а в том, что далеко не все происходящее в книге, можно и нужно показывать в театре.

Кому, скажите, пожалуйста, будет интересно смотреть, как в балете одна их героинь сказки готовит еду, пусть даже не простую, а королевскую? Никому, верно? Вот тут-то и необходим либреттист.

Зная особенности балетного спектакля, он должен приспособить сказку к театральному представлению. Поэтому из всего произведения либреттист выбирает только самые важные и необходимые для хореографического действия события. У него есть право вносить изменения в сказку: перенести место действия, сократить число персонажей или, если есть необходимость, придумать новых. Но делает он это очень осторожно, чтобы в либретто спектакля е потерялся смысл и очарование сказки писателя. Таким образом, у литературного произведения, которое стало основой для хореографического спектакля, появился еще один автор – либреттист.

Краткое содержание балета обычно печатается в программке к спектаклю: перечисляются все действующие лица, сцены картин и акты будущего представления, а также фамилии авторов, принимавших участие в создании балета, и, разумеется, актеров.

КОМПОЗИТОР

Либретто готово. Теперь наступил момент, когда к работе над спектаклем приступает композитор. Когда композитор пишет музыку балета, то он тоже создает сказку, только е обыкновенную, а музыкальную. Ее вместо слов расскажут нам звуки. Но голосами скрипок, флейт, виолончели, фортепиано композитор может рассказать и о приключениях главных героев, и о борьбе добра и зла. И в зависимости от того, что происходит в сказке, будет сочиняться и музыка. Веселое событие – веселый мотив, грустное – значит, и музыка грустная. Но у музыки балетного спектакля есть одна особенность – она обязательно должна быть танцевальной.

БАЛЕТМЕЙСТЕР (ХОРЕОГРАФ)

Итак, вы знаете уже двух создателей балетного спектакля – либреттиста и композитора. Пришло время появиться в нашем рассказе еще одному , очень важному в балетном театре лицу – балетмейстеру. А почему важному? Да потому, что именно балетмейстер становится тем волшебником, который делает сказку, написанную либреттистом и композитором, видимой. События и герои, запечатленные в либретто и воплощенные в музыке, с его помощью оживают на сцене. А чтобы без труда можно было распознать сказочных героев и не перепутать их во время спектакля, каждому из действующих лиц балетмейстер дает свой «язык». Но состоит он не из слов, а из движений (pas), положенных на музыку согласованных с ней. Хореограф-балетмейстер придумывает, откуда и как будут появляться на сцене сказочные герои, кто и что будет танцевать. Он придумывает для своих героев грациозные и нежные танцы, стремительные вращения и невесомые прыжки, причудливые позы и красивые, мгновенные остановки на пальцах. Он своим трудом, талантом, фантазией помогает родиться чудесному спектаклю – БАЛЕТУ!

РАДУГА В РУКАХ

Спустившись по лестнице, мы проходим в цех, где в огромном чане-кастрюле красятся одновременно десятки метров ткани. А совсем рядом над большими котлами колдует мастер. Он, точно фокусник, извлекает из кипящей краски то один, то другой кусок ткани: розовый, ярко-синий, изумрудно-зелёный. А если мы с вами повернём за угол, то увидим большие деревянные рамы, на которых и сушатся эти ткани. Вот рама, что преградила нам дорогу, с натянутой на неё накрахмаленной марлей. Именно из такой марли делают театральные шляпы, деревья, листья. Наконец мы остановились у двери с табличкой «Пошивочный цех». Здесь шьют балетные костюмы. Но прежде, чем рассказать, как их шьют, обратимся к истории.

В первых балетных спектаклях, которые проходили в залах дворца, танцовщицы выступали в громоздких, тяжёлых платьях. Вряд ли тогда кто-то мог предположить, как сильно, просто до неузнаваемости, со временем изменится одежда балетных артистов.

Коротенькие юбочки, лёгкие одежды пришли на смену пышной роскоши старинных платьев, которые сковывали движения, мешали исполнять прыжки и вращения. И поэтому появился новый костюм «тютю», или, как его принято называть сейчас, пачка. Балетная пачка, сделанная по эскизу французского художника Э. Лами, получилась пышной и воздушной. И шили её портнихи и закройщицы. Другие мастерицы нашивали на тюль пачек кто золотую тесьму, кто блестки. Лучи солнца, падающие из широких окон пошивочного цеха на пену юбок, играют на гранях украшений, словно их коснулась палочка чародей - волшебника. И вот, наконец, готовые костюмы чинно выстроились на манекенах в ожидании прихода своих хозяев.

А швейные машины продолжают стрекотать, не умолкая ни на минуту. И руки вышивальщиц снова и снова расшивают затейливо переплетающиеся узоры.

Перед нами новая дверь со странной надписью «Постижерная». Тайну этого слова мы раскроем сразу же, как только окажемся внутри мастерской. Все полки, все столы заставлены париками. Значит, впостижерной делают парики.

Именно здесь мастера-постижеры с помощью париков меняют облик персонажей балета до неузнаваемости или, наоборот, помогают всем танцовщицам выглядеть как одна, похожими друг на друга.

ТАЙНА БАЛЕТНОЙ ТУФЕЛЬКИ

А сейчас мы побываем в одном из самых интересных цехов театральных мастерских – обувном. На стеллажах этого цеха вы можете увидеть настоящий музей обуви: ботинки с пряжками, бантами, пуговицами, изящные туфельки на каблучках. Сделанные из кожи, плотной материи, он почти не отличаются от тех образцов обуви, что носили в разные времена люди. Театральный сапожник, так же как и другие мастера, работает по эскизам художника. Обувь, которую он делает, не только красива на вид, но и удобна. Ест среди всей этой обуви особые туфельки, их называют пуантами. С историей рождения этих туфелек связано много неразгаданных тайн и легенд.

Название «пуанты» происходит от французского слова, означающего «острие», «кончик». Если мы потрогаем розовые атласные туфельки, то сразу поймем, почему они так называются. Их носки твердые, как камень. Когда танцовщица надевает пуанты, она исполняет движения как бы на самых кончиках пальцев. Конечно, хорошо бы найти книгу, где была бы раскрыта тайна возникновения этих волшебных туфелек! Но, к сожалению, и сегодня мы не сможем точно назвать ни того, кто первый их сделал, ни в какой стране они появились на свет. Но кое-что мы все-таки знаем.

Раньше, очень давно, никому в голову не приходило, что для танца нужно придумывать какую-то специальную обувь. Туфли, в которых танцевали тогда в балете, по сути являлись той обувью, что носили в жизни. Со временем обувь для танцев стали делать только более легкой.

Но усложняющаяся техника танца требовала другой формы туфель. Вначале танцовщицы отказались от каблуков, предпочитая туфли с плоской подошвой из мягкой кожи. Мы даже знаем имя первой танцовщицы, которая отказалась от каблуков, - это мари Камарго.

Танцовщицам одних мягких туфель оказалось недостаточно. Многие движения они исполняли, поднимаясь на кончики пальцев, и даже могли замирать в такой позе на несколько мгновений. Этим искусством славилась Мария Тальони. Долгое время многие историки балета считал, что именно она и была первой балериной, придумавшей пуанты. Но исследование ее туфель показало, что обувь танцовщицы была абсолютно мягкой, сделанной из лайковой кожи и затянутой сверху тонким шелком.

Получается, что жесткими носки туфелек стали позже. Танцовщица, надев туфли с твердым носком, могла не только задерживаться в позе, но и вертеться, исполнять множество новых интересных движений.

Однако вернемся в сегодняшний день и поглядим, как же делаются эти чудо-туфельки.

Пуанты – обувь капризная. Они признают только свою собственную хозяйку, поэтому все начинается с обыкновенной деревянной заготовки, повторяющей форму ноги танцовщицы.

Вначале делают не сами пуанты, а их матерчатую часть. Швейные машинки соединяют вместе лоскуты плотной ткани и нежного розового атласа. Затем мастер пришивает тряпичную часть туфельки к кожаной подошве. Острая игла в руках мастера ловко протаскивается нитку через плотную кожу. Кажется, ещё немного, и все будет готово. Но пуант, что находится в руках мастера, Совершенно мягкий. И тут, обмакнув небольшой кусочек мешковины в клей, мастер прикладывает его к носку пуанта, затем ещё кусочек, только поменьше, и ещё, и ещё! Если будем считать, то насчитаем 5 кусочков. Теперь пришел черёд ножниц, ими убирают все лишнюю материю, чтобы внутри туфельки не было ни одной складки или бугорка. Мастер осторожными движениями пальцев прощупывает каждый сантиметр носка. Затем пуанты помещают в специальную сушильную печь, где при определённой температуре клей окончательно затвердеет,- и, пожалуйста, танцуй себе на здоровье!

Вот и подошла наша экскурсия по театральным мастерским к концу. Мы побывали, конечно, не во всех цехах, но я постаралась рассказать о том, что может быть вам интересно.