Мегаобучалка Главная | О нас | Обратная связь

Тема 6. Искусство Возрождения в Западной Европе





1. Причины возникновения культуры Возрождения. 2.Периодизация искусства итальянского Возрождения, художественные традиции. 3. Проторенессанс, Ранний Ренессанс, высокое и позднее Возрождение в Италии.

1. Причины возникновения культуры Возрождения. Возрождение или Ренессанс (фр. Renaissance, итал. Rinascimento; от «re/ri» — «снова» или «заново» и «nasci» — «рожденный») — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Слово «ренессанс» (фр. renaissance) произошло от термина «la rinascita», который впервые употребил Джорджо Вазари в книге «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих», изданной в 1550 году. Возникновение культуры Возрождения было подготовлено рядом общеевропейских и локальных исторических условий. По своей сущности культура возрождения была культурой переходной эпохи от феодального строя к капиталистическому. В это время складываются национальные государства и абсолютные монархии; возвышается буржуазия в борьбе с феодальной реакцией; происходят глубокие социальные конфликты – Крестьянская война в Германии, религиозные войны во Франции, Нидерландская буржуазная революция. Творцами возрожденческой культуры были выходцы из самых разных социальных слоев, а ее достижения в гуманитарных знаниях, искусстве, архитектуре стали достоянием всего общества, хотя в большей мере – образованной и состоятельной его части. К новой культуре проявили интерес и материально стимулировали ее развитие представители крупного купечества, феодальной знати, правители европейских государств и папский двор. Однако, далеко не во всех случаях высшие слои привлекала идейная сторона Возрождения, несравненно большее значение имели для них высокий уровень образованности, художественные достоинства литературы и искусства, новые формы архитектуры. Идейной основой Ренессанса был гуманизм, светски- рационалистическое мировоззрение. Слово «humanitas» (человечность) итальянские гуманисты заимствовали у Цицерона (1 в. до н. э.), который в свое время хотел им подчеркнуть, что понятие «человечность», как важнейший результат культуры, выработанной в древнегреческих полисах, привилось на римской почве. 2.Периодизация искусства Возрождения, художественные традиции. Принято выделять несколько этапов в развитии итальянского Возрождения. 1) Проторенессанс или Предвозрождение (1260-1410/25 гг.) – этап, предшествующий Возрождению, когда происходит первое обращение к античному пониманию человека, (период Дученто и период Треченто). 2) Раннее Возрождение или Кватроченто (1410/25-1498 гг.) – период формирования основной теоретической базы искусства Возрождения, время распространения новой художественной традиции по Италии. 3) Высокий Ренессанс или Чинквеченто (1498-1520 гг.) – период наивысшего расцвета искусства итальянского Возрождения, творчество гениев. 4) Поздний Ренессанс (1520 – 1700 гг.) – период трансформации творчества мастеров Высокого Возрождения, время «маньеризма» и зарождения новой художественной традиции «Барокко». Художественные традиции, на основе которых складывается искусство итальянского Возрождения, представляют собой переплетение четырех стилистических потоков: 1) античная традиция, 2) романская традиция, 3)готическая традиция, 4) византийская традиция. Интересен тот факт, что искусство Возрождения развивается в основном на территории Италии, где издревле сильна традиция синтеза различных стилей и художественных пространств. Именно Италия в плане средневековой романики и готики представляла собой весьма странный вариант и того, и другого стиля. Поэтому появление синтезирующего по своей сути типа искусства именно на этой территории весьма закономерно.3. Проторенессанс, Ранний Ренессанс, высокое и позднее Возрождение в Италии.Проторенессанс эпохи Дученто (1260-1320 гг.) – период сложения основ для возникновения искусства Возрождения. Именно в этот период художники начинают обращаться к античной традиции. Но это не просто подражание античному искусству. Искусство Возрождения появилось в Италии благодаря соединению нескольких художественных традиций, которое стало возможным именно в этой стране. Первая художественная традиция – античная, поскольку итальянская земля вся наполнена памятниками античного искусства. Античность дала обращение к мифологии, к пластике обнаженного тела, к пониманию особого места человека в этом мире. Второй стилистический поток – романика, которая в Италии представляла особый вариант. Романика дает обращение к телесности,объемности в живописи. Третья художественная традиция – готика, акцентирующая внимание на душевных порывах и внутренней неуспокоенности персонажей, которая будет выражаться через изображение тела и атрибутов.Четвертый стилистический поток – византийская традиция иконописи, обладающая развитой системой цвета и иконографии религиозных сцен и персонажей. Репрезентантом искусства эпохи Дученто является творчество Джотто ди Бондоне (1266/67-1337 гг.).Именно Джотто впервые конструирует живописное изображение как некий самостоятельный искусственный мир, обладающий эффектом объемности и пространственности и существующий по своим специфическим законам – законам живописного изображения. Джотто вводит прием построения живописного пространства в качестве сценического пространства, где присутствуют первый план, средний план, плоский задник и даже кулисы. Характерным элементом сценических постановок Джотто становятся персонажи обращенные спиной к зрителю и специально загораживающие часть сцены. Кроме того, Джотто впервые ставит проблему изображения объемной человеческой фигуры, стоящей на плоскости, проблему объемности цвета, проблему светотени. Фактически все искусство Возрождения в Италии будет строиться на развитии того, что было проявлено в творчестве Джотто. Предвозрождение времени Треченто (1320-1410/25 гг.) – период возвращения к традициям готического искусства и время осмысления новых основ художественного творчества через отрицание. В период треченто объемность решения тела человека сочетается с аллегоричностью и плоскостностью. Это время качания то в сторону готической традиции, то в русло новых художественных тенденций. Репрезентантом живописи периода Треченто является творчество Симоне Мартини (1285-1344 гг.).Характерные особенности живописи треченто предсталяет произведение мастера «Благовещенье», решенное в качестве алтарной композиции с готическим силуэтом. В этой работе на первый план выступает язык линии, контура, который более выразителен, нежели сама пластика положения фигуры. Согласно готической традиции решается внутреннее состояние персонажей через складки одежды. Именно они говорят о внутреннем состоянии изображаемой фигуры. Но была эпоха дученто, о чем свидетельствует и объемное изображение лица и рук и складок одежды у Симоне Мартини.



Он знал очень хорошо Джотто, он изучал Джотто. Если во время дученто шла речь о кристаллизации первичной целостности души и плоти божественным провидением, или гениальной божественностью, то здесь речь идет о кристаллизации противоречия между душой и плоти в человеке. В этой противоречивости содержания и формы и заключается отличительная особенность живописи периода треченто. В эпоху раннего Возрождения (1410/25-1498 гг.) расцвет искусства проявился прежде всего в торгово-промышленной Флоренции. Архитекторы Филиппо Брунеллески, Леон Баттиста Альберти, Бернардо Росселлино, Джулиано да Майано, Джулиано да Сангалло создавали здания, отличавшиеся величавой гармонией форм и жизнеутверждающей силой, отвечавшей новому героическому идеалу человека. Творчески переработанная античная ордерная система, изложенная в трактате Витрувия, внесла в зодчество разумное начало и соразмерность человеку. На смену устремлённым ввысь готическим соборам явились ясность структуры и чёткость членения строгих архитектурных объёмов и светлых просторных интерьеров. Палаццо с мощными уличными фасадами и приветливыми аркадами во дворах, виллы с террасными садами, портики и лоджии, базиликальные и центрические церкви и капеллы демонстрировали разнообразие образных возможностей, возникающих при различных сочетаниях ордера со стенами и сводами. Принципы регулярной планировки и целостной ансамблевой застройки городской площади или целого города открыли новые перспективы градо-

строительства. Живописцы начали пристально изучать натуру, объединяя реальные мотивы с пластически цельной концепцией мира; они наполняли земным содержанием религиозные сцены, широко обращались к античным сюжетам. Главной темой искусства стал совершенный и героически прекрасный человек во всей полноте его жизненных сил. Совершился решительный поворот от иконы к картине, высокого подъёма достигло искусство фрески. Ощущение разумной упорядоченности мира, жизнеутверждающие идеалы сочетались с яркостью жизненных наблюдений, подробным повествованием, игрой фантазии. Сложившись в нач. 15 в. во Флоренции, новое искусство постепенно распространилось по всей Италии. Мазаччо, Фра Филиппо Липпи, Андреа дель Кастаньо, Доменико Гирландайо, Сандро Боттичелли во Флоренции; Пьеро делла Франческа в Урбино, Франческо дель Косса в Ферраре, Андреа Мантенья в Мантуе, Пьетро Перуджино и Бернардино Пинтуриккьо в Перу-

дже, Джованни Беллини в Венеции создали реалистические образы широчайшего диапазона – нежно-лирические и суровые, гармонически цельные и драматичные, идеально обобщённые и остро портретные. Появляются основные жанры светской живописи, в том числе портрет и пейзаж. В картинах и фресках на религиозные и мифологические сюжеты легко узнаваемы современники художников и их собственные автопортреты, что было немыслимо для средневекового искусства. В скульптуре эпохи Раннего Возрождения наиболее известными мастерами были Лоренцо Гиберти, Донателло, Микелоццо ди Бартоломео, Якопо дела Кверча, семья делла Роббиа, Антонио Росселлино, Дезидерио да Сеттиньяно, Бенедетто да Майано, Андреа дель Верроккьо. Получили развитие статуя, рельеф, бюст, конный монумент, алтарная композиция, надгробие. Выразительная пластика фигуры, изображённой в покое или движении, сложные сцены в перспективных рельефах, яркая жизненность и харак-

терность портретных бюстов прокладывали новые пути реализму в скульптуре.

В период Высокого Возрождения в Италии борьба за ренессансные идеалы приобрела напряжённый и героический характер, отражая мечты об освобождении и консолидации нации. Духовный подъём ярче всего выразился в архитектуре и изобразительном искусстве, овеянных духом героических устремлений, отмеченных широтой общественного звучания и титанической мощью образов. Строго отобранные наблюдения реальности претворяются в возвышенный идеал, подчиняются строгой структуре и величественной гармонии целого. Сложившись во Флоренции, классический стиль Высокого Возрождения создал свои наиболее монументальные памятники в Риме; позже в число ведущих центров выдвинулась Венеция. Архитекторы (Донато Браманте, Рафаэль, Антонио да Сангалло Старший) создали классические образцы зданий, отмеченных совершенной гармонией, величественной монументальностью и ясной уравновешенностью. Возникли крупные архитектурные ансамбли, поражающие цельностью замысла и богатством композиционных приёмов, проекты «идеальных» городов. Крупнейшие художники заняли почётное место в общественной жизни, олицетворяя в глазах современников дух и славу нации. Творчество «титанов» эпохи Высокого Возрождения отличалось беспримерной разносторонностью и широтой (психологически углублённые образы Леонардо да Винчи, гармоничное совершенство искусства Рафаэля, поэтическое жизнелюбие венецианских живописцев Джорджоне и Тициана, грация и чувственность Корреджо, мощный драматизм и титаническийразмах творчества Микеланджело). В эпоху Позднего Возрождения, когда Италия вступила в полосу острого политического кризиса, многие мастера переживали разочарование в гуманистических идеалах; их творчество приобретало необычайно драматический характер (Микеланджело). Позднее Возрождение включает в себя, с одной стороны, классический этап в искусстве Венеции (Паоло Веронезе, Тинторетто, позднее творчество Тициана), а с другой – маньеризм, стиль, пришедший на смену Ренессансу (во Флоренции с 1620-х гг. – Андреа дель Сарто и его ученики, позднее в Риме – последователи Рафаэля). В архитектуре Позднего Возрождения (Микеланджело, Джакомо да Виньола, Джулио Романо, Бальдассаре Перуцци) стройная тектоника уступает место напряжённости, а подчас и прямому «столкновению» архитектурных элементов; вместе с тем растёт интерес к пространственному развитию композиции, здание утрачивает замкнутость и всё больше подчиняется градостроительным замыслам,включается в ансамбль, в природную среду (Якопо Сансовино, Галеаццо Алесси, Микеле Санмикели, Андреа Палладио). Ренессансные типы общественного здания, виллы, дворца, ансамбля городской площади и района получили в это время особенно богатую и сложную разработку. В живописи трагическая непримиримость конфликтов, борьба и неизбежная гибель героя стали одной из главных тем позднего творчества Микеланджело и Тициана; психологическая характеристика человека достигла небывалой глубины и сложности. Творчество венецианских мастеров Веронезе, Тинторетто и Якопо Бассано обогатилось пониманием противоречивости мира, интересом к драматическому массовому действию, народным образам, к сложной взаимосвязи человека и среды, к пространственной динамике и сложным ракурсам. Кризис культуры Возрождения подготовил почву для новых тенденций, развившихся в последующие эпохи. Культура 15–16 вв. в других европейских странах обладала рядом особенностей; её называют Северным Возрождением.

Тема 7. Искусство Западной Европы 17 - 18 вв.

1.Общая характеристика искусства Западной Европы 17 ст. 2. Общая характеристика искусства Западной Европы 18 ст.

1.Общая характеристика искусства Западной Европы 17 ст.Начало 17 столетия отмечено глубоким мировоззренческим кризисом. Этот кризис связан, прежде всего, с развитием науки, которая показала несовершенство и неполноту человеческих знаний об устройстве мира (смена геоцентрической модели мира на гелиоцентрическую, открытие Америки и Австралии, изобретение микроскопа и телескопа). Основной проблемой для культуры 17 столетия является поиск нового места человека в мире и новых основ для познания законов мироздания. Художественная культура 17 столетия тесно связана с предшествующим периодом 16 века. Во-первых, в 16 веке, благодаря подражанию манерам великих мастеров Высокого Возрождения, формируется мозаичная картина художественной среды, в которой каждый художник стремился подчеркнуть, прежде всего, индивидуальность переработки тех или иных аспектов творческой манеры великого мастера. В 17 веке мозаичность как черту мировоззрения зафиксирует стиль «барокко», одновременно решая проблему бытия человека в таком постоянно меняющемся мире. Во-вторых, к концу 16 века возникает потребность в поиске новых эталонов, поскольку старые образцы постепенно теряли силу заразительности. В художественной культуре 17 столетия новую заразительность и новые эталоны предложит «реализм». В-третьих, на рубеже 16-17 веков назревает необходимость в появлении художественного явления, способного представить целостное видение мира и нового места человека в этом мире. Эту задачу в 17 столетии решает стиль «классицизм». Характеристика основных художественных явлений XVII столетия.Барокко(от итал. barocco – причудливый, странный), художественный стиль, занимавший ведущее положение в европейском искусстве с кон. 16 до сер. 18 в. Зародился в Италии. Термин был введён в кон. 19 в. швейцарскими искусствоведами Я. Буркхардтом и Г. Вёльфлином. Стиль «барокко» находит свое яркое проявление во всех видах искусства. В целом для произведений этого стиля характерно: 1) сложные композиционные решения, основанные на зрительных обманах, перекрываниях одних деталей другими, преобладании диагональных, s- образных и закрученных построений; 2) общее пластическое единство, нерасчлененность целого на отдельные элементы; 3) использование эффектов «вдруг», нарушающих логику зрительного восприятия и демонстрирующих кажущуюся нелогичность в построении произведения; 4) необходимость активной включенности зрителя в пространство художественного произведения; 5) появление индивидуальных стилистических особенностей в творчестве отдельных мастеров. В качестве понятия «барокко» имеет в истории искусства «узкое» и «широкое» значения. В «узком» понимании барокко обозначает художественный стиль в искусстве различных стран 16-18 столетий. В «широком» значении стиль барокко определяет оригинальный способ визуализации посредством произведений архитектуры, скульптуры, живописи, декоративного искусства процесса стремления человека к Абсолютному началу в качестве истины своего существования. В «узком» понимании исторический художественный стиль барокко получил распространение в середине 16 столетия в Италии, а в первой половине 18 века был популярен в Испании, Германии, Австрии и России. С позиции художников итальянского Ренессанса кватроченто 15 века, создававших преимущественно классицистические произведения, форма творений ряда художников Позднего Ренессанса 16 столетия выглядела как «барокко», что в разговорном итальянском языке было синонимом всего неправильного, неуклюжего, грубого, неумелого. Лишь в 18 столетии слово «барокко» стало применяться для характеристики некоего особого художественного стиля. В эпоху барокко экзальтация и героизация обыденного привели к тому, что самыми распространенными терминами для характеристики произведений барочного стиля стали такие прилагательные, как «роскошный», «величественный», «божественный», «сверхчеловеческий», «блестящий», «великолепный», «грациозный»,«изящный». Творения зодчества, скульптуры, живописи, декоративного искусства нередко создавались с расчетом на своего рода театральный эффект: кулисы, неожиданно открывающиеся перспективы, контрасты

масштабов, стремление возбудить воображение. Вообще стиль барокко – это сочетание возвышенной духовности,часто на пределе человеческих возможностей, и крайнего натурализма,драматической грандиозности масштабов и смакования прозаических деталей. Всякий раз барочные произведения словно подсказывают, что процесс обесконечивания конечного может начаться только в случае резкого осознания человеком своей ограниченности, можно сказать бытовой натуралистичности. Не случайно главным средством барочной визуализации стало аллегорическое иносказание. Яркими представителями барокко являются: в архитектуре –Франческо Борромини (1599 – 1667 гг.), Лоренцо Бернини (1598 – 1680 гг.); в скульптуре – Лоренцо Бернини (1598 – 1680) («Аполлон и Дафна», 1622 –1625 гг., «Экстаз св. Терезы», 1644 – 1652 гг.); в живописи – Питер Пауль Рубенс (1577 – 1640 гг.), Микеланджело Меризи да Караваджо (1573 – 1610 гг.), Диего Родригес да Сильва Веласкес (1599 – 1660 гг.), Рембрандт Харменса ван Рейн (1606 – 1669 гг.). Реализм 17 века основан на творчестве итальянского художника Микеланджело Меризи да Караваджо (1573 – 1610 гг.), который впервые обращается к бытовой сфере с целью поиска именно в ней новых эталонов и художественных средств. Реализм характерен в основном для живописи 17 столетия. Его влияние особенно проявлено в творчестве Диего Родригеса да Сильва Веласкеса и Рембрандта Харменса ван Рейна. Стиль «классицизм» проявил себя во всех видах искусства. Для произведений этого стиля характерно: 1) обращение к античным традициям (использование ордера, античных сюжетов); 2) ясность и уравновешенность композиции, основывающейся на простых геометрических построениях; 3)аллегоричность и повествовательность сюжетов и основных элементов композиции; 4) ясная представленность всех элементов, составляющих единое целое; 5) отстраненная позиция зрителя как наблюдателя; 6)относительное единство и устойчивость черт стиля в творчестве разных художников. Понятие «классицизм» (нем. Klassizismus – «образцовый») в «узком» значении есть художественный стиль в искусстве европейских стран 17 —20 столетий. В исторических границах стиля принято различать классицизм 17 века во Франции («Большой стиль» Людовика XIV); неоклассицизм второй половины 18 столетия во Франции, Италии, Англии, Германии, России; ампир конца 18 - первой половины 19 века во Франции, Англии, России; неоклассицизм начала 20 столетия в России. Может показаться, что произведения классицизма есть лишь исправление и очищение творений барочного и рокайльного искусства от «пышной» и «нарочито витиеватой» шелухи, которая в той или иной мере искажает, извращает, камуфлирует «правильные» античные формы, придавая им некий «неправильный» вид. Однако это далеко не так. классицизм не есть фаза или этап барочного развития художественной культуры, точно так же, как не является барокко и рококо фазой или этапом классицизма. Классицистические произведения принципиально противоположны произведениям стиля барокко. Барочные творения изобразительного искусства - это чувственное явление сути стремления конечной человеческой энергии к бесконечному божественному началу.

Классицистические же здания, скульптуры, живописные картины и т.д., наоборот, меют цель быть визуальным свидетельством сущности кристаллизации Абсолюта в конечных непосредственно наблюдаемых и чувственно доступных формах. Стиль классицизм в его «широком» значении, представляя преимущественно тенденцию оконечивания бесконечного, не может быть локализован в какой-либо исторической эпохе, художественном направлении или национальной школе искусства. Он обнаруживает себя регулярно в различные периоды мировой истории и в разных странах.

Представителями классицизма являются: в архитектуре – Клод Перро (1613 – 1688 гг.), Луи Лево (1612 – 1670 гг.), Андре Ленотр (1613 – 1700 гг.); в живописи – Никола Пуссен (1594 – 1665 гг.) и др. 2. Общая характеристика искусства Западной Европы 18 ст.Европейское искусство 18 столетия соединяло в себе два различных направления: классицизм и романтизм. Классицизм в изобразительном искусстве, музыке, литературе — это стиль, основанный на следовании принципам античного греческого и римского искусства: рационализма, симметрии, целенаправленности, сдержанности и строгом соответствии содержания его форме. Романтизм ставит во главу угла воображение, эмоциональность и творческую одухотворенность художника. Искусство эпохи Просвещения использовало старые стилистические формы классицизма, отражая при их помощи уже совершенно иное содержание. В искусстве разных стран и народов классицизм и романтизм образуют то некоторый синтез, то существуют во всевозможных комбинациях и смешениях. Важным новым началом в искусстве 18 в. было и появление течений, не имевших собственной стилистической формы и не испытывавших потребности в ее выработке. Таким течением был прежде всего сентиментализм (от франц. чувство), отразивший в полной мере просветительские представления об изначальной чистоте и доброте человеческой натуры, утрачиваемыми вместе с отдалением общества от природы. Практически на территории почти всей Европы наблюдается вторжение светского начала в религиозную живопись тех стран, где раньше она играла главную роль —Италии, Австрии, Германии. Жанровая живопись порой стремится занять главное место. Вместо парадного портрета — портрет интимный, в пейзажной живописи — пейзаж настроения. В первой половине 18 в. ведущим направлением во французском искусстве стало рококо. Все искусство рококо построено на ассиметрии, создающей ощущение беспокойства—игривое, насмешливое, вычурное, дразнящее чувство. Не случайно термин «рококо» произошел от французского «рокайль» — буквально бриллиант.и украшение из раковин. Сюжеты— только любовные, эротические, любимые героини — нимфы, вакханки, Дианы, Венеры, совершающие свои нескончаемые «триумфы» и «туалеты». Ярким представителем французского рококо стал Франсуа Буше (1703— 1770). «Первый художник короля», как он официально именовался, директор Академии, Буше был истинным сыном своего века, все умевшим делать сам: панно для отелей, картины для богатых домов и дворцов, картоны для мануфактуры гобеленов, театральные декорации, книжные иллюстрации, рисунки вееров, обоев, каминных часов, карет, экскизы костюмов и т.д. Типичные сюжеты его полотен — «Триумф Венеры» или «Туалет Венеры», «Венера с Амуром», «Купанье Дианы» и т.п. Антуан Ватто (1684—1721) — французский живописец, обращался к изображениям современной ему жизни. Глубокие размышления Ватто о сущности подлинно высокого искусства отразились в его полотнах. Декор, изысканность произведений Ватто послужили основой рококо как стилевого направления, а его поэтические открытия были продолжены живописцами реалистического направления середины 18 в.В русле новых эстетических идей в искусстве развивается творчество Жана Батиста Симона Шардена (1699—1779), художника, создавшего в сущности новую живописную систему. Шарден начал с натюрморта, писал вещи кухонного обихода: котлы, кастрюли, бачки, затем перешел к жанровой живописи: «Молитва перед обедом», «Прачка», а от нее — к портрету. Французская скульптура 18 в. проходит те же этапы, что и живопись. Это преимущественно рокайльные формы в первой половине века и нарастание классических черт — во второй. Черты легкости, свободы, динамики видны в скульптуре Жана Батиста Пигаля (1714—1785), в его полном прелести, легкого стремительного движения, непосредственности изящества «Меркурии, подвязывающем сандалию». Жан Антуан Гудон (1741—1828) — истинный историограф французского общества, в своей скульптурной портретной галерее передал духовную атмосферу эпохи. «Вольтер» Гудона — свидетельство высокого уровня французского искусства. Английское искусство 18 в. — расцвет национальной школы живописи в Англии — начинается с Уильяма Хогарта (1697— 1764), живописца, графика, теоретика искусства, автора серии картин «Карьера проститутки», «Карьера Мота». Хогарт был первым живописцем-просветителем в Европе. Крупнейший представитель английской школы портретной живописи Томас Гейнсборо (1727—1888). Зрелый стиль художника сложился под влиянием Ватто. Его портретным образам свойственна душевная утонченность, одухотворенность, поэтичность. Глубокая человечность присуща его изображениям крестьянских детей. Итальянская живопись 18 в. достигла своего расцвета только в Венеции. Выразителем духа Венеции был Джованни Баттиста Тьеполо (1696— 1770), последний представитель барокко в европейском искусстве, живописец, рисовальщик, гравер. Тьеполо принадлежат монументальные фресковые циклы как церковные, так и светские. Венеция дала миру прекрасных мастеров ведуты — городского архитектурного пейзажа: Антонио Каналетто (1697—1768), прославленного торжественными картинами жизни Венеции на фоне ее сказочной театральной архитектуры; Франческо Гварди (1712—1793), находившего вдохновение в простых мотивах повседневной жизни города, его залитых солнцем двориков, каналов, лагун, многолюдных набережных. Гварди создал новый тип пейзажа, отмеченного поэтичностью, непосредственностью зрительских впечатлений. Тяготение изобразительного искусства к занимательности, повествовательности и литературности объясняет его сближение с театром. 18 столетие часто называют «золотым веком театра». Театр был призван временем для выполнения целого спектра задач. Писать о людях в обыденных обстоятельствах значило писать одновременно о жизни, сформировавшей этих людей. И писать нелицеприятно — ведь драматурги Просвещения исходили из больших общественных и человеческих идеалов и решительно не воспринимали всего, что им противоречило. В трагедии они негодовали, в комедии издевались. Крупнейшим английским драматургом был Ричард Бринсли Шеридан (1751—1816). Его сатирические комедии нравов «Соперники», «Поездка в Скарборо» и «Школа злословия» направлены против безнравственности «высшего» света, пуританского лицемерил буржуа. На карнавал в Венецию съезжались люди со всей Европы. В этом городе творил Карло Гольдони (1707—1793), создавший 267 драматических произведений. Его лучшая комедия «Трактирщица» разнесла славу Гольдони по всему миру. С большим уважением относился к Гольдони Вольтер — патриарх Просвещения. Современником Гольдони был Карло Гоцци (1720—1806). Он писал сказки (фьябы), используя фольклор и некоторые черты комедии дель арте: «Любовь к трем апельсинам», «Турандот» и другие о жизни театральной Венеции. Самым высоким, достигшим абсолютной зрелости воплощением комедии нравов была «Женитьба Фигаро» великого французского драматурга Бомарше (1732—1799). Фигаро оказался олицетворением общенародной оппозиции старому режиму — той самой оппозиции, которая привела к революции. И недаром два человека так ненавидели эту пьесу — Людовик XVI, живший в страхе перед революцией, и Наполеон Бонапарт, построивший свою империю на развалинах революционных порядков. Страной, где «серьезный жанр», как его называли в 18 в., а потом и трагедия сделали наибольшие успехи, была Германия. Хотя театр Просвещения появляется в Германии лишь в середине 50-х гг. 18 в., на сорок—пятьдесят лет позже, чем в Англии и Франции, но; восприняв опыт предшественников, он дает замечательные плоды. Представителями Просвещения в Германии были Лессинг, Гете, Шиллер. В конце 17—18 вв. начинает складываться тот музыкальный язык, на котором потом заговорит вся Европа. Первыми были Иоганн Себастьян Бах (1685—1750) и Георг Фридрих Гендель (1685—1759). Бах — великий немецкий композитор и органист, работал во всех музыкальных жанрах, кроме оперы. До сих пор он непревзойденный мастер полифонии. Гендель, как и Бах, использовал библейские сюжеты для своих произведений. Наиболее известные — «Саул», «Израиль в Египте», «Мессия». Гендель написал более 40 опер, ему принадлежат органные оркестры, сонаты, сюиты. Огромное влияние на музыкальное искусство Европы оказала венская классическая школа и ее виднейшие мастера Йозеф Гайдн (1732—1809), Вольфганг Амадей Моцарт (1756—1791) и Людвиг Ван Бетховен (1770—1827). Венские классики переосмыслили и заставили зазвучать по-новому все музыкальные жанры и формы. Их музыка являет высочайшее достижение эры классицизма по совершенству мелодий и форм.«Отцом симфонии» называют Франца Йозефа Гайдна, учителя Моцарта и Бетховена. Им было создано более 100 симфоний. В основе многих из них — тема народных песен и танцев, которые композитор разрабатывал с удивительным искусством. Вершиной его творчества стали «12 Лондонских симфоний», написанных во время триумфальных поездок композитора в Англию. Гайдн написал множество замечательных квартетов (83) и клавирных сонат (52). Ему принадлежит свыше 20 опер, 13 месс, большое количество песен и других сочинений. В конце творческого пути он создал две монументальные оратории — «Сотворение мира» (1798) и «Времена года» (1801), в которых выражена мысль о величии мироздания и человеческой жизни. Гайдн довел до классического совершенства симфонию, квартет, сонату. Вольфганг Амадей Моцарт писал музыку и играл на скрипке и клавесине в том возрасте, когда другие дети еще не умеют складывать буквы. Необыкновенные способности Вольфганга развились под руководством его отца — скрипача и композитора Леопольда Моцарта. В операх «Похищение из сераля», «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан», «Волшебная флейта» Моцарт с изумительным мастерством создает разнообразные и живые человеческие характеры, показывает жизнь в ее контрастах, переходя от шутки к глубокой серьезности, от веселья к тонкой поэтической лирике. Эти же качества присущи и его симфониям, сонатам, концертам, квартетам, в которых он создает высшие классические образцы жанров. Вершинами классического симфонизма стали три симфонии, написанные в 1788 г. (всего Моцартом было написано около 50). В симфонии «Ми бемоль мажор» (номер 39) показана полная радости, игры, веселого танцевального движения жизнь человека. В симфонии «Соль минор» (номер 40) раскрывается глубокая лирическая поэзия движения человеческой души. Симфония «До мажор» (номер 41), названная современниками «Юпитер», обнимает весь мир с его контрастами и противоречиями, утверждает разумность и гармоничность его устройства. Творчество Бетховена — высшее достижение человеческого гения. Человек республиканских взглядов, сформированных под влиянием Французской революции, он утверждает достоинство личности художника-творца. Бетховен вдохновлялся героическими сюжетами. Таковы его единственная опера «Фиделио», увертюры «Кориолан», «Эгмонт». Завоевание свободы в результате упорной борьбы — вот главная идея его творчества. Вся зрелая творческая жизнь Бетховена связана с Веной. Здесь он еще юношей восхитил своей игрой Моцарта, занимался у Гайдна, здесь прославился как пианист. Стихийная сила драматических столкновений, возвышенность философской лирики, сочный, порой грубоватый юмор — все это мы можем встретить в бесконечно богатом мире его сонат (всего им написаны 32 фортепьянные сонаты и 10 сонат для фортепьяно и скрипки, в том числе знаменитая Девятая — «Крейцерова»).Лирико-драматические образы Четырнадцатой «Лунной» и Семнадцатой сонат отразили отчаяние композитора в самый тяжелый период жизни, когда Бетховен был близок к самоубийству из-за потери слуха. Но кризис был преодолен: появление Третьей симфонии ознаменовало победу человеческой воли над страшным недугом. В период с 1803 по 1813 гг. он создал большинство симфонических произведений. Разнообразие его творческих исканий поистине безгранично. Композитора привлекают камерные жанры — вокальный цикл «К далекой возлюбленной». Бетховен стремится проникнуть в самые сокровенные глубины внутреннего мира человека. Апофеоз его творчества — Девятая симфония (1823) и Торжественная месса (1823).

 

Тема 8. Искусство Западной Европы 19 века. 1. Особенности культуры 19 столетия, художественные традиции в искусстве.2. Характеристика искусства первой половины 19 века.3. Особенности искусства второй половины 19 века.




Рекомендуемые страницы:


Читайте также:
Как распознать напряжение: Говоря о мышечном напряжении, мы в первую очередь имеем в виду мускулы, прикрепленные к костям ...
Почему люди поддаются рекламе?: Только не надо искать ответы в качестве или количестве рекламы...
Почему двоичная система счисления так распространена?: Каждая цифра должна быть как-то представлена на физическом носителе...

©2015-2020 megaobuchalka.ru Все материалы представленные на сайте исключительно с целью ознакомления читателями и не преследуют коммерческих целей или нарушение авторских прав. (1981)

Почему 1285321 студент выбрали МегаОбучалку...

Система поиска информации

Мобильная версия сайта

Удобная навигация

Нет шокирующей рекламы



(0.029 сек.)