Эпический театр Брехта.

Бертольд Брехт
(1898-1956)
Немецкий драматург и режиссёр. Писал и режиссировал свои пьесы.
Разработал теорию эпического театр. В ключе этой теории написаны многие его пьесы.
Чем отличается эпический театр, от традиционного?
Традиционный театр начался в Греции, Брехт называл его "Аристотелев театр".
И с самого начала в таком театре важно чувствовать сопричастности зрителя. Зритель должен влиться в действие на сцене. Потому что это давало зрителю чувство нравственного очищения (катарсис). Особенно в Трагедиях. То есть в театр ходили для того, для чего и в храм - очиститься духовно. Люди сочувствовали происходящему на сцене.

Брехт же в своей теории говорит, что люди приходят не сочувствовать, а думать. Цитата Брехта: "если мы видим на сцене голодного человека, то в традиционном театре зритель приходит, чтобы сочувствовать этому человеку, если он умрёт - то сострадать ему и этим очиститься. А надо прийти в театре, чтобы подумать, как его накормить." Суть теории.
Театр должен менять Мир.
Основной принцип эпического театр не вовлечь зрителя в действие, а отстранить его. Это называется "эффектом очуждения" - зритель чужой для происходящего. Привычное становится неизвестным.
У "эффекта очуждения" есть разные приёмы: условное оформление сцены, театр Брехта называю "бедным театром", так как очень мало предметов на сцене. Например, если в пьесе появляется армия или народ, то не выходят 200 статистов, а выходит один человек с табличкой - "народ", "армия" и т.д.

Основной принцип театра - разбить иллюзию правда. То есть когда люди приходят в театр, они соглашаются, что происходящее на сцене это в определённом смысле правда, таким образом работает спектакль.
В театре Брехта иллюзия разбивается прямым обращением актёра к зрителям, но не как персонажа, а как актёра, который играет этого персонажа. То есть актёр на сцене позиционирует себя как исполнитель роли, повествующий о чём-то. Принцип эпоса - отсюда и эпический театр.
Драматический театр - это само действие, а эпический - рассказ о нём.

У Брехта актёры обращаются к зрителю не просто текстом, а песнями (зонгами), которые и поют от своего лица, рассказывая о своём играемом персонаже. Зонги это также приём эффекта очуждения.

1927 год - "Трёхгрошовая опера".
С этой пьесы и начинается настоящий Брехтовский театр.
Смысл пьесы - оказывается, законы уголовного мира ничем не отличаются от законов высшего мира. Поэтому цивилизация сама по себе порочна.

1939 год - "Мамаша Кураж и её дети"
События происходят в 17 веке во время тридцатилетней войны.
Антивоенная пьеса. Идея такова - война всегда кому-то выгодна.

В 1933 году Брехт эмигрировал из фашистской Германии.

1940 год - "Добрый человек из Сезуана"
Пьеса парабола - поучительный рассказ, в котором сюжет начинается с отвлечённых предметов, а затем идёт к главное теме.

В 1948 году создал театр "Берлинер ансамбль".

Ставил много своих пьес, Мамашу Кураж играла у него его жена Елена Вагель.

Театральная система М.Чехова

!Из консультации 3 мая 2018: !

Вахтангов, Чехов, надо идти от их педагогов. Кто воспитывал, где начинает. Суворинский театр - царь Федор Иоаныч, тут же на него набросились, книпер-Чехова зовёт его во мхат, Станиславский говорит худенький но с добрыми глазами но послушали, потом Станиславский сказал : гений! 1) этап - мхат, он в массовке, играет нищих в тряпках, 2 этап - 12 год первая студия, тут игает комедийные роли, с детства любил играть стариков от 60 до 120, он хорошо владел телом, душа внутри тела! Но в 1 студии - эрих 14 стринберга, первая трагическая роль!!! Из одного состояния в другое, до 50 вариантов и в каждой он был искреннен. Он м актёр представления и актёр переживания. Сверчок на печи, играл с драматическим, траги-комедийная роль мальволио 12 ночь. Когда видели прямо плакали

(Во мхате Хлестакова, причём в это же время, Хлестаков был воздушный, невесомый, во всех влюблённый, он грыз ножку стула от счастья, он был очень обаятельный)

3 этап - второй мхат! Там художественный руководитель, Гамлета играет, и ещё 2 роли, только трагические!!! Муромский - никто не играл как трагическую роль, а он смог, ноги спички, усы до пола, довёл до трагедии

(Поправить где какие роли)

Покинул Россию в 28 году, написал что он кончился как актёр, он сгорел. В Риге повторил хлестакова

Англия - открывает Школу, потом переезжает в америку. Он был без денег, Рахманинов устраивал концерты чтобы помочь ему с деньгами.

Главное - его учитель. - Станиславский, твоё я и окружающая действительность, потом у Чехова. - у тебя сто вопросов к герою и пока в подсознании не появится ты его не поймёшь. Можешь и не дождаться. Это природное воображение, это очень интересный путь. Психологический жест ! Игра в мяч - так и текст.

Интуиция и воображение.

Чехов на русской сцене

Эстетика Ю. Любимова

Юрий Любимов (1917-2014)
В 1934 году был принят в студию при МХАТе втором, но в 1936 МХАТ второй был закрыт и он перевёлся в Щукинское училище. По окончании стал актёром театра Вахтангова.
Играл эпизодически в Вахтанговской постановке "Принцесса Турандот". Этот спектакль очень впечатлил молодого Любимова. В 1937 году его заметил Мейерхольд и пригласил к себе на репетиции "Бориса Годунова".
Также им заинтересовались и пригласили сниматься в своих фильмах Сергей Эйзенштейн и Александр Довженко.

Участвовал в Советско-финской войне.
А во время великой отечественной войны в составе ансамбля песни и пляски НКВД выступал на линии фронта.

После войны вернулся в театр Вахтангова.
О работе в театре он говорил: "Играл как лошадь. По 25-30 спектаклей в месяц. Иногда по ночам судороги сводили от перенапряжения".
Параллельно снимался в кино. Дебютировал в 1941 году в главной роли Принца-свинопаса у режиссёра Мачеретта.

Любимов часто расписывал и играл роли, как хотел и считал нужным сам: "Я был бедствием для режиссёров".
Он был актёром с очень развитым режиссёрским мышлением
Играл Треплева (в постановке Бориса Захавы), Сирано де Бержерака, Бенедикта из "Много шума из ничего", Олега Кошевого из "Молодой гвардии", Ромео и многие другие роли.

Как режиссёр дебютировал в 1959 году на сцене театра Вахтангова. Поставил пьесу Александра Галича "Много ли человеку надо". А в 1964 году оставил актёрскую карьеру, покинул театр Вахтангова и создал свой театр - театр на Таганке.
Чуть раньше, в 1963, работая со студентами Щуки, Любимов поставил "Добрый человек из Сезуана". Этим спектаклем и открылась в 1964 Таганка.
Спектакль вызвал резонанс, но был очень тепло встречен и имел большой успех.
Брехта мало кто хорошо знал в Советском союзе и даже когда Берлине ансамбль приехал, то Любимов не был на гастрольных спектаклях и не знал, как ставил сам Брехт: "Я был чист и подучился такой русский вариант Брехта".
Любимов ввёл в свои спектакли новые русские зонги (написанные по стихам Цветаевой).
Начинали спектакли ещё в фойе, дабы создать атмосферу.
В спектакле Любимова декорации и реквизит практически отсутствовали, все условно. Стилизована была пластика героев, которые двигались не как нормальные люди, а пританцовывая. Все было в игровой форме. Также высокое стало бытовым - боги из пьесы появлялись в потёртых современных костюмах и пили кефир.
Иная своих героев, актёры не перевоплощались, а показывали их, даже передразнивали. Исполнители свободно обращались к зрителям, разрушая четвёртую стену, провоцировали зрителя на игру.
Спектакль вышел очень музыкальным. Чувствовалось, что ритм и музыка важные средства этого режиссёра.
У публики возникло ощущение нового стиля в театре.

Стиль Любимова формировался от разных источников. Это и Станиславский, и Вахтангов, и Мейерхольд.
С детства Любимов запомнил спектакли Станиславского "Горе от ума" и "Синюю птицу".

Видел спектакли Мейерхольда - "Ревизор", "Лес", "Дама с камелиями".
Вахтагова - "Принцессу Турандот".

Метод преподавания Любимова: "Я всегда искал выразительность мизансценическую. Разрабатывал рисунок: психологический и внешний. Следил за выразительностью тела. Учил не бояться идти от внешнего к внутреннему. Верная мизансцена может дать верную внутреннюю жизнь. Главное, это жизнь человеческого духа, только надо найти её театральную форму".

Важно единство актёрского ансамбля.
"Режиссёр обязан сделать общую экспликацию (объяснить) своего замысла".
В фойе его театра висели портреты Станиславского, Вахтангова, Мейерхольда и Брехта.
Но несмотря на влияние многих великих артистов и режиссёров, будь то Чарли Чаплин (портрет его в полный рост также был у Любимова в театре) или Питер Брук, стиль у Любимова был свой.

Он виртуозно владел магией музыкой, света и тени. Этим он конкретизировал эмоцию.
Впервые внедрил световой занавес, а также стал пионером в работе с тенью на сцене. Много экспериментировал со сценическим пространством.

!Из консультации 3 мая 2018! :

Любимов - не заканчивал режиссерский, но режиссёр от бога. Поступил к Вахтангова, играл моцарта, потом его перебросили в театр драмы и комедии, никто туда и не ходил. Но он обрадовался, он вёл свой курс, там была славила и он поставил добрый человек из Сизуана и они потом стали театром на Таганке - лбьимовскиы театр. Энергия колоссальная. На него повлиял Брехт он создал острый современный театр, публицистический театр. !!! Переводил прозу на язык театра!!! А зори здесь тихие, перевёл, деревянные кони Обрамова тоже перевёл, мастер и Маргарита! Для него важен ритм энергетики (возможно тоже от Брехта), потом он собрал все современное, цвет свет звук, сколько свечей и прочее.

Гамлет - весь был вязанный и дань времени и как кальчуга

Художник Давид боровски (?) гений. Деревянные колья чтобы зритель сначала потрогал все и только потом в зал, прям чтобы был дух деревни. Такие придумка.

Любимов - поэтический театр, каждый актёр отношение к стихотворению, «послушайте» 5 раз и у каждого свой Маяковский, проходили и 5 Пушкиных. Каждый играл свой период, но у каждого свой Пушкин.

Главное - пластика, движение, ритм, агрессивный театр.

 11. Островский на русской сцене.

Островский Александр Николаевич (1823-1886)

Творчество Островского произвело революцию в русском театре. Уже первые его пьесы показали на сцене мир, отлично знакомый ему, но неизвестный для читателей и зрителей того времени.
Родился в Москве и вырос в Замоскворечье, в купеческой среде.
Отец занимался частной судебной практикой. Сам Островский окончил гимназию, не окончил юридический факультет. С 1843 по 1851 служил, занимая различные невысокие посты в судебных учреждения . Но плюс от этого был - он приобрёл богатый жизненный опыт и получил бесценный материл для первых пьес.

Первая из опубликованных пьес - "Свои люди - сочтёмся!" (Банкрут), напечатанная в 1850 году, произвела впечатление на публику.
Отмечали и сюжет со всеми негативным историями о жажде наживы, предательстве и богатый, будто подслушанным в жизни язык героев.
Пьеса сделала Островского знаменитым, но в то же время была запрещена к постановке, а сам автор был отдан под надзор полиции. Его обвинили в клевете на российскую действительность.
Его воспринимали как "грязного" драматургам, выводящего на сцену недостаточно высокие характеру, пишущего чрезмерно простонародным языком и не показывавшего ничего светлого в окружающей жизни.

Первая поставленная пьеса в Малом театре "Не в свои сани не садись".
Несмотря на нападки власти и тяжелое финансовое положение, Островский активно работает, выпуская по пьесе ежегодно. Со временем увлёкся почвеничеством - восхищался русской жизнью и душой, противопоставляя её сухости Запада. И в его пьесах постепенно появляются персонажи, несущие свет и любовь.
Например, в пьесе "Бедность не порок" 1853 года герой Митя.
В 1854 пьеса была поставлена в Малом театре и вызвала горячие споры. Одни считали, что это новая эпоха русского театра, другие же, в том числе Щепкин, который высоко ценил талант Островского, считал, что такой грязный Мир с пьяницами и крючкотворами не достоин сценического воплощения. Такое нельзя выносить на сцену.
Но все таки связь Островского с Малым театром укрепляется через актёров, которые разделяли его взгляды.
В конце 1850-ых характер творчества Островского изменился. Это проявилось в пьесах "Доходное место" 1856 и "Гроза" 1859.
Доходное место сатирически изображает чиновников, для которых обман это обычное дело.
А Гроза удостоилась отдельной статьи критика Добролюбова, который назвал её "луч света в тёмном царстве". Эта фраза может касаться героини Катерины, которая выделяется на фоне общей пошлости и грязи. И кончает с собой, так как нет иного выхода оттуда.
Пьеса также говорила о грядущих переменах. И о трагическом столкновении различных взглядов на жизнь.

В 1860-1870-ые годы отошёл от драматизма, возвращаясь к описанию жизни простых людей, чьи проблемы могут вызвать улыбку или слёзы.
Яркий пример - трилогия "Женитьба Бальзаминова".
В эти же годы Островский создаёт ряд исторических пьес: Козьма Захарыч, Воевода, Василий Шуйский.
Автор пытался найти корни широты русского характера. Но пьесы эти были не такие популярные.
Любовь к народной культуре проявилось и в поэме в стихах "Снегурочка", основанной на русском фольклоре. Римский-Корсаков на её основе создал оперу.
К сатирическим шедеврам его творчества этого периода можно отнести: "На всякого мудрец довольно простоты", "Лес". Также в пьесы полны трагизма: "Бесприданница", "Таланты и поклонники".

Частое появление в пьесах Островского персонажей из мира театра не случайно. Его всегда заботила проблема нищенской зарплаты у актёров и их невежество к исполнению ролей. Нередко сам репетировал с актёрами свои пьесы, пытаясь добиться результата.
Среди постоянных актёров Островского - Пров Садовский и Любовь Косицкая.
Островскому не нравилась атмосфера театра - закулисные интриги и злоба, актёры выходили только лишь за аплодисментами. Он предлагал реформировать театр и писал многочисленные проекты. В конце концов, в 1886 году был назначен заведующим репертуарной частью московских театров. Он хотел освободить театр от бездарной, любительской игры, когда каждый актёр сам за себя. Мечтал он о возрождении театральной школы, которая готовила бы профессионалов. И сформировать чёткий, разнообразный репертуар.
Но смерть в июне 1886 года не дала ему всего этого сделать.

Деньги это частая тема в пьесах Островского. Также темы любви, подлости, предательства.
Его темы до сих пор актуален.
Так как люди не меняются.
Малый театр - дом Островский.
Островский писал для Малого театра и для бенефисов актёров.
Писал для Проф Садовского "Горячее сердце"
Для Васильева "Гроза" - роль Тихон.
Для Рассказова "На бойком месте".
Для Музиль - "Бесприданница".

Играли Пашенная, Ермолова, Остужев, Царёв.

Все пьесы Островского были поставлены в Малом театре. Он никогда не уходил из репертуара.
Сейчас идут: Таланты и поклонники, Лес, Сердце не камень, Бесприданница, Волки и овцы, Не все коту масленица.
У Островского жена актриса - Васильева.